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良いもの色々😍 Various good things😍 UESHIMA MUSEUM @ueshima_collection [ 掲載作家｜Feature Artists ] 名和晃平｜Kohei Nawa @nawa_kohei 塩田千春｜Chiharu Shiota @chiharushiota 田島美加｜Mika Tajima @mikadogs ダン・フレヴィン｜Dan Flavin オラファー・エリアソン｜Olafur Eliasson @studioolafureliasson ミシェック・マザンヴ｜Misheck Masamvu @villageunhu ジャデ・ファドジュティミ｜Jadé Fadojutimi @jadefadojutimi ローレン・ クイン｜Lauren Quin @lauren_quin_ 津上みゆき｜Miyuki Tsugami 今井麗｜Ulala Imai @ulalaimai #名和晃平 #塩田千春 #MikaTajima #DanFlavin #OlafurEliasson #MisheckMasamvu #JadeFadojutimi #LaurenQuin #津上みゆき #今井麗 #UeshimaMuseum #UeshimaCollection #artcollection #artcollector #contemporaryart #アートコレクター #アートコレクション #コンテンポラリーアート #現代アート #当代艺术 #艺术 #當代藝術 #藝術 #현대미술 #예술 #искусство #artecontemporanea #arte #zeitgenössischekunst #kunst

Artist: TSUGAMI Miyuki Title: View, Flowing, Evening, 8 Feb 2019/2022 Year: 2022 Medium: pigment, acrylic on canvas Dimensions: set of 3, 162 x 259 cm | 91 x 72.3 cm | 27.3 x 27.3 cm (63 3/4 x 102 in. | 35 7/8 x 28 1/2 in. | 10 3/4 x 10 3/4 in.) Acquired from Anomaly, 2022 @anomaly_tokyo Collection #495KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 3F Tsugami is a landscape painter. However, it is difficult to find the actual landscape that she saw on the canvas which has lost the concreteness from the original sketches. In this work as well, if one were unaware that the three consecutive canvases represent some kind of scenery, it would appear to be nothing but an abstract painting. However, when one stands in front of the work again after learning the title and the concept behind it, it is reminiscent of the mountain ranges far away, the gentle ripples of a lake, the orange glow of the setting sun, and the harsh air in February evoked one after another. The process of recognizing Tsugami’s paintings as landscapes is formed by allowing the gush of imagination that occurs as Tsugami replaces the scenery with paint to flow backward in the viewer’s mind. They may not be strictly classified as abstract paintings since the artist describes them as landscapes, yet they can be said to be paintings that abstract the common concept of landscapes from the actual scenery. Artist Profile https://is.gd/dXeBck #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #TsugamiMiyuki #landscape #semiabstract #contemporaryartist #contemporaryartcollector

・ /UESHIMA MUSEUM/ Opening reception司会を務めました🎤 渋谷の真ん中、渋谷教育学園の敷地内に生まれた新たな現代アートスポット。 レセプション後に、丁寧にご案内くださり 束の間、豊かな時間を過ごさせていただきました。 大変観応えのある植島さんのコレクション。またゆっくりと伺いたいです。 6/1開館です🚪 @ueshima_collection #ueshimamuseum #ueshimacollection #植島ミュージアム #植島コレクション

藝術家: 塩田千春 @chiharushiota 題目: 細胞 年份: 2018 介體: 水彩、油粉彩、線、畫紙 尺寸: 56 x 42 厘米 (22 x 16 1/2吋) 2022年從Kenji Taki 畫廊購入 @kenjitakigallery Collection #496KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 塩田於 2017 年因卵巢癌復發而面臨死亡。在經歷長達六個小時的卵巢切除手術和五個月的化療後，她戰勝了病魔。2019 年的個展 "顫動的靈魂" (森美術館, 東京)標誌着塩田現今所享的國際聲譽的開端，清晰體現了藝術家戰勝病魔的精神。包含本作品在內的 "細胞" 系列，顧名思義是以細胞爲主題。癌症是因細胞凋亡過程失敗，導致細胞組織異常增長。人體是由細胞組成的，所以失去正常的細胞會直接導致死亡。塩田在自己的作品中探討了生與死的議題，而她與疾病的鬥爭則讓她接觸到支配生死的可怕病理。在這幅作品中，一個氣球狀的紅色細胞組織似乎只靠一條線勉強穩固着。細胞無法按照自己的意願進行控制，一旦形成病變，最終必須通過醫療等外部干預的方式去對抗。心靈必須戰勝痛苦來拯救身體。塩田承受的痛楚足以讓她的身心分離，而 "細胞" 的誕生就是爲了重拾她的尊嚴、自我和自己的身體。 Artist Profile 塩田千春 1972年出生於大阪府。1996年畢業於京都精華大學美術學部的洋畫科，並於同年就讀漢堡美術學院。1997至1999年就讀布倫瑞克造型藝術學院(師從瑪莉娜·阿布拉莫維奇)、1999年至2000年就讀柏林藝術大學(師從瑞貝卡·霍恩)。其作品大多以「記憶與喪失」、「生與死」為主題。她以佈滿使人聯想起血管與毛髮的紅色和黑色毛線的大規模裝置藝術、同樣的毛線如網一般交織而成的畫作、彫刻及使用了水彩和木炭製作而成的線畫等而聞名。從早期的表演及映像作品中能看到她貫徹其為了接近生命根源的態度，而在近年的作品中，與癌症搏鬥的經歷使塩田的生死觀更為逼真。於日本與海外舉辦個展、並多次參與重要的國際展覽。她亦是第56屆威尼斯雙年展(2015年)的日本代表。於基爾歌劇院(德國)的歌劇公演舞台美術設計(2014年-2018年)等也受到高度評價。主要的作品收藏除了東京國立近代美術館、國立國際美術館(大阪)、21世紀美術館(金澤)，作為其活動據點的德國亦包括佛萊堡美術館、霍夫曼收藏(柏林)等。此外也有巴斯卡藝術中心博物館(瑞士)、芬蘭國家美術館、洛杉磯郡立美術館等世界各地重要的現代美術館及收藏。曾出任京都精華大學及加州藝術學院客座教授、2020年起任職多摩美術大學研究院EWS (實驗工作室)的特別任命教授。 CV: https://www.chiharu-shiota.com/folders-1 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #塩田千春 #ShiotaChiharu #drawing #糸 #thread #細胞 #cell #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術

Artist: Mika Tajima @mikadogs Title: Art d'Ameublement (Earhart Light) Year: 2022 Medium: spray acrylic, thermoformed PETG Dimensions: 133.5 x 103 cm (52 1/2 x 40 1/2 in.) Acquired from TARO NASU, 2022 @taronasu_tokyo Collection #551KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 1F The subtitle of this work, “Earhart Light,” may ring a bell for those who are familiar with aviation history. It refers to Amelia Earhart, the first female pilot to complete the incredible achievement of a solo transatlantic flight in 1928. This lighthouse named after her, stands on Howland Island, an isolated island in the Pacific Ocean. In 1937, while en route to this island during her attempt to circumnavigate the globe along the equator, Earhart disappeared. The lighthouse had been built to welcome Earhart’s arrival. Tajima gave subtitles associated with remote islands to works in her “Art d’Ameublement” series. They symbolize hardship and the unknown. For this series, the artist sprayed color onto the underside of box shapes created with thermoformed PETG (polyethylene terephthalate glycol). Tajima uses the terms “Shell” and “Frame,” but it is the very concept of “color” that is enclosed within these transparent shells, and the essence of these works lies in the flights of imagination these colors spark. In overcast conditions, Earheart flew toward an isolated island in the middle of the ocean. In a state of extremes, despair intermingled with hope, what might she have seen amidst those clouds obstructing her vision? Did she perhaps hallucinate light from the lighthouse that was surely there waiting for her? Referencing Eric Satie, Tajima encapsulates vivid, colorful mists as a metaphorical expression of abstract painting “Art d’Ameublement / Furniture Art”, prompting viewers to imagine what they see. This is a work that questions the essence of “Abstract.” Artist Profile https://is.gd/Hy90ox #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #abstractpainting #PETG #conceptualart #AmeliaEarhart #contemporaryartist #contemporaryartcollector #MikaTajima

藝術家: 奧拉佛・艾里亞森 @studioolafureliasson 題目: 眼見你 年份: 2006 介體: 不銹鋼, 鋁, 彩色濾光片, 單頻燈泡 尺寸: 230 x 120 x 110 厘米 (90 1/2 x 47 1/4 x 43 1/4 吋) 系列: 共30件中的第24件 2022年從Gallery Koyanagi購入 @gallerykoyanagi Collection #404KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 2F 艾里亞森的作品以光為媒介進行表達，這是他於2006年創作的裝置作品。在2003年於倫敦泰特現代藝術館展出的「The weather project」中，艾里亞森使用單頻燈泡將空間內所有的可見光線重新塗成黃色。展覽地點位於一座舊發電站內，對人類來說太陽象徵着能源，而作品則將其加以模擬重現。自然界漫溢着色彩是受到陽光中頻率範圍廣闊的恩賜而成，但本作所使用的單頻燈泡因擁有頻率極為狹窄的特性，我們變得無法正確地識別暴露於這種光線下的物體本身的自然色彩。這種光線平等地灑落眾生，艾里亞森透過對這上天的恩惠施加限制，從而促使人們產生一種共鳴。站在本作前的每個人都同等地失去了衣著外表或膚色等方面的差異。通過共享這個特殊的環境，我們被賦予了在此時、此空間，擺脫任何屬性並作為真正平等的人類身份重新面對彼此。在本藝術收藏中，這件作品參考了塔特現代美術館使用的裝置藝術作品進行設置，利用美術館展覽室的牆壁作為鏡子，被展示為無限放大光的裝置。 Artist Profile 奧拉佛・艾里亞森 1967年出生於丹麥哥本哈根。艾里亞森因在2003年在泰特現代美術館展出的 《天氣計畫》而聞名。一個巨大的橙色燈仿照般太陽懸掛在充滿人造霧的大廳裏，鏡子覆蓋了整個天花板，人們躺在地板上仰望着自己模糊的倒影。艾里亞森的作品總需要光線、空間和觀眾眼睛的配合。他通過人工複製或模仿自然現象，將人們置於一個模擬的環境中。他的作品直接與全球氣候、環境問題和能源問題掛鉤。位於柏林的奧拉佛．艾里亞森工作室，這裏不僅是他創作藝術作品的場所，也是他研究空間認知的基地，為此也是他創作和解決環境問題的動機。艾里亞森分別在2014年獲得了沃爾夫獎藝術類獎項和2023年獲得了高松宮殿下紀念世界文化獎。 CV: https://olafureliasson.net/biography #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #OlafurEliasson #installation #light #MonochromaticLight #contemporaryartist #contemporaryartcollector #EyeSeeYou #光 #単色光 #現代美術 #現代藝術 #奧拉佛艾里亞森 #艾里亞森 #眼見你 #裝置藝術 #環境問題

Artist: IMAZU Kei @kei_imazu Title: The End of the Search Year: 2009 Medium: oil on canvas Dimensions: 97 x 145.5 cm (38 1/4 × 57 1/4 in.) Acquired from SBI Art Auction, 2023 @sbiartauction Collection #592KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 3F This is a work from 2008, a relatively early stage of Imazu’s artistic career. Since Imazu uses fragments of various images collected in magazines and online as the basis for the composition of her paintings, the perspective, scale, and resolution for each motif are often different. This characteristic is well represented in this work. The viewer’s attention is likely drawn first to the large group of birds spreading in the right half from the center of the canvas, with various species gathering in the wither trees. While this scene emphasizes an unrealistic impression, in reality, birds of prey and their natural enemies, small birds would not be sitting next to each other so calmly. The contrast is accentuated only around the eye-catching figures with the strongest light in the painting, which suggests a deep darkness of the space surrounding them. Compared to the characters, the birds are all depicted as gigantic. Upon a closer look, the depth of the painting is almost lost, making it appear as if they were on a flat stage set. The bright nightscape or scenery of the glowing water surface that extends in the back and the distorted buildings that sink in the blue darkness make this strange world seem even more unknown. From the title, although the expressions of the figures who are supposed to be exploring are discernible, one can imagine their little adventure as they must have been astonished by the encounter with this strange scene that suddenly emerged from the darkness. It is a work that touches on the rich creativity in Imazu’s style. Artist Profile https://is.gd/7GiM9N #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #ImazuKei #figurativepainting #contemporaryartist #contemporaryartcollector

藝術家: 維克・穆尼斯 @vikmuniz 題目: 仿塞尚的「玩紙牌的人」（來自「雜誌圖片2」系列） 年份: 2012 介體: 數碼彩色沖印 尺寸: 180.3 x 225.4 厘米 (80 x 88 3/4 吋) 2022年從nca | nichido contemporary art購入 @nca_nichido_contemporary_art Collection #316KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 這是穆尼斯利用雜誌剪報重現名畫的代表性系列之一。本作以塞尚的《玩紙牌的人（Les Joueurs de Cartes）》為題材。塞尚的這幅名畫有數幅變化不同的傑作。穆尼斯在本作中複製的是奧賽博物館所收藏、據說創作於1894至1895年間的的畫作。畫中兩名貌似農民的男性面對面地隔桌而坐，直射在中央紅酒瓶的光線將畫面切成恰好兩半，就像預示着一場即將到來的定局。在本作中，各種印刷物創造出令人欽佩的色調和陰影，彷彿連塞尚的筆觸也盡可能地重現。遠看的話，本作連非常微小的細節亦忠於原作。一旦近看，煙斗裏的火苗和帽緣的弧度都成為了意想不到的圖像。而原以為棕色的桌子上則潛藏着一輛鮮紅的跑車。在逐一找出合適圖像的時候，他到底翻閱了多少本雜誌呢？正因為穆尼斯對細節的非凡觀察力，他才能解析原作中的每一處細節，這只有具備高超的色彩構成能力之人才能做到這一點。 Artist Profile 維克・穆尼斯 1961年出生於巴西聖保羅。儘管穆尼斯沒有接受過任何正規的美術教育，但在他1983年移居到美國紐約一年後，他便開始了他的職業雕塑家生涯。攝影是他目前主要的表達方式，但他作為藝術家的創作行爲本身就被捕捉於各種照片中。從穆尼斯的作品中，可以看出他幾乎不會使用正常的繪畫材料，如 "巧克力畫"（用融化的巧克力作畫）、"土壤畫"（用土壤、石頭、沙子等作畫）、"灰塵畫"（收集灰塵和泥土繪畫）、"鑽石畫"（用鑽石顆粒作畫）、"垃圾畫"（收集大量廢料創造一幅的畫）。然而，當人們仔細觀察他的作品時，無疑覺得它們是一幅"畫"。穆尼斯近年採用接近攝影蒙太奇或拼貼畫的方式，同樣顯示出罕見的視覺天賦，在規避常規路線的同時，實現了超越想象的現實主義。穆尼斯是2001年第49屆威尼斯雙年展巴西館的代表藝術家。由他早期的職業生涯時，他已經於各重要機構舉辦了多次個展。穆尼斯的作品目前收藏於世界各地的主要博物館內，他亦經常被邀請到許多不同國家的藝術大學進行演講和授課。 CV: https://www.nca-g.com/artist/vik_muniz/ ©Vik Muniz Courtesy of nca | nichido contemporary art #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #VikMuniz #写真 #photography #collage #cezanne #hommage #contemporaryartist #contemporarysculpture #contemporaryartcollector #vikmunizart #現代藝術 #維克穆尼斯 #仿塞尚的玩紙牌的人 #TheCardPlayersafterCezanne

Artist: Kamijo Susumu @susumukamijo Title: Franny and Zooey Year: 2023 Medium: Oil, flashe vinyl, pencil on canvas, framed Dimensions: 76.2 x 63.5 cm (30 x 25 in.) Acquired from MAKI Gallery, 2023 @maki_gallery_tokyo Collection #617KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando There is a series with the same title as the novel written by Salinger. It depicts the slightly clumsy love of a family trying to support a youth struggling on the edge between the ideal and reality. Franny is the distressed younger sister, and Zooey is the supportive older brother. Kamijo is an artist who continues to paint poodles, but as seen in this work as well, he boldly interweaved both simplicity and emphasis rather than depicting specific shapes in recent years. In this work, the even color surface like a coloring book has been painted with a combination of straight and curved lines which deformed the characteristic haircut of a poodle. The strong contrast between orange and navy blue evokes the different characters between the two poodles. When looking at their facial expressions, one would assume that they must be poodles since they are painted by Kamijo, and only under this assumption, do they look like dogs. However, the eyes, nose, whiskers, and fangs, as well as the shadow and bumps on their faces are so exaggerated or simplified that they appear almost human-like, far from the original dog face. In other words, although Kamijo is drawing dogs, he is not seeking the resemblance of a dog. It seems to imply that the dog is a latent image of the human spirit in its domesticated form as one of the most familiar animals in human society. Various spiritual theories are exchanged in Salinger’s novels, even involving Eastern philosophies such as Buddhism. The younger sister who is struggling to find a place for her heart, eventually finds a glimmer of light and smiles at the end of the conversation. Through collision and mutual support, the youthful struggle can be overcome someday. Artist Profile https://is.gd/xn2ivp #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #SusumuKamijo #figurativepainting #poodle #JDSalinger #contemporaryartist

Artist: Marc Quinn @marcquinnart Title: Ankor Sunburst Year: 2009 Medium: oil on canvas Dimensions: 184.6 x 122.3 cm (72 5/8 x 48 1/8 in.) Acquired from Sotheby’s, 2023 @sothebys Collection #527KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This work was presented at the same time as Quinn’s first solo exhibition of the “Iris” series (Mary Boone Gallery, NY). This round motif connecting the celestial body and the human body can be said as one of the most important works that led to the “Anthropocene” series with the same feature. The “Iris” series depicts the human iris on a huge circular canvas, but the iris which is only 10mm in diameter on the scale of the human body is enlarged to about 2000mm in Quinn’s paintings. When the scale changes drastically, many things can be seen differently. Quinn connects the iris, a tiny part of the body, with an extremely large scale of the universe. As the title suggests, “Iris” refers to the Greek goddess of the rainbow and etymologically means rainbow. This work is themed on the sky over the Bayon Temple which forms part of Angkor. It is a photorealistic depiction of a magnificent double sunburst that spreads from the centered dazzling sun. Displayed contrarily to “Iris”, this work expresses the contrasting relationship of scale and yin-yang between the human iris and pupil at its center that shows a dark hole, in contrast to the rare natural phenomenon caused by sunlight and atmosphere with the overwhelming light of the star at its center. It also suggests the vastness of Quinn’s imaginative realm. Artist Profile https://is.gd/ib0BIc #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #contemporaryartist #contemporaryartcollector #MarcQuinn

藝術家: 池田亮司 @_ryoji_ikeda_ 題目: data.scan [n°1b-9b] 年份: 2011 / 2022 介體: 液晶顯示器, 電腦 尺寸: 1台為61.1 x 35.6 厘米 (24 x 14 吋), 共9台 2022年從TARO NASU購入 @taronasu_tokyo Collection #382KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 2F 本作的核心是9台顯示器上如洪流般的眾多數據。對於自稱作曲家(Composer)的池田來說，貫穿其音樂和視覺藝術作品的共通之處是以數據(data)來構建可被觀察到的普遍性。本作是名為「datamatics」項目的其中一部分，該項目自2006年以來便持續進行。假設數據是表達世界的最小單位，那可見的光便是像素，可聽的聲音便是頻率，將其提高至極限便會呈現出無限廣闊的世界。池田所表現的是「無形且多樣的實體性」，而人類則將數據視為把無形變成有形的有效指標。在本作中，9台顯示器分別表現了不同的視覺效果，但它們都是經電腦操縱，在二維顯示器中，這些數據被可視化，呈現了一個多維空間的模型。在這些早已遠遠超出人類處理能力的信息洪流面前，我們或不再被問及其意味為何。我們只能以一種類似於崇高的敬畏之心來面對這樣一個事實：這些正確且無形的概念，通過大量信息和計算而被觀測，並表現為一個看得見的現象。本作於2022年在弘前當代美術館的個展及岡山藝術交流 2022上展出。 Artist Profile 池田亮司 1966年出生於日本岐阜縣。池田是一名作曲家和藝術家，目前以法國和日本為活動據點。池田的作品跨越聲音和視覺，從音色和圖像，到物質和數學，甚至連物理現象亦有所涉獵。除了在世界各地從事音樂活動及經營自身廠牌「codex | edition」外，池田還與音樂家Carsten Nicolai合作開展項目，創作了「datamatics」(2006年~)和「test pattern」(2008年~)等主題性強烈的媒體藝術作品。其主要個展曾舉辦於弘前當代美術館(青森，2022年)、臺北市立美術館(2019年)、龐畢度中心(巴黎，2018年)、山口藝術及媒體中心(2014年)和東京都現代美術館(2009年)等。他曾多次受邀參與國際展覽，包括 2019年第58屆威尼斯雙年展的主題展(Central Pavilion)、2018年上海雙年展和2010年愛知三年展等。在90年代，他還參與了代表日本多媒體表演領域的藝術家團體 Dumb Type的活動，為其提供音樂。2014年，他更獲得媒體藝術節Ars Electronica頒發的 Collide@CERN Residency Award，並在CERN(歐洲核子研究中心)駐留了兩個月。 CV: https://www.taronasugallery.com/wp/wp-content/uploads/RI_CV_220902.pdf pic1-3: © 2022 Okayama Art Summit Executive committee Courtesy of the artist and TARO NASU Photo by Yasushi Ichikawa pic4: © 2022 Hirosaki Museum of Contemporary Art Courtesy of the artist and TARO NASU Photo by Takeshi Asano #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #IkedaRyoji #MediaArt #contemporaryartist #contemporaryartcollector #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #現代藝術 #藝術收藏 #收藏家 #池田亮司 #datascan

Artist: Aboudia @aboudia6 Title: UN Car Burning I Year: 2011 Medium: acrylic, paper collage on paper Dimensions: 178.9 x 236.6 cm (70 3/8 x 93 1/8 in.) Acquired from Phillips, 2022 @phillipsauction Collection #509KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando In contrast to his recent works featuring typing haunting portraits, this piece by Aboudia exhibits a slightly different style. In this work, it appears to be a collage of existing images, likely from press photographs, overlaid with paint strokes on the canvas. Aboudia makes extensive use of such photographic collages, often heavily covered with layers of paint. However, in this work, not much is added to obscure the photographs, especially the white UN (United Nations) vehicle engulfed in flames, prominently featured in the title, remains largely intact. The artwork was created in 2011, a year of violent civil war in Côte d’Ivoire, when the UN Peacekeeping Operations (PKO) intervened militarily. This work is likely to be drawn under the theme of this conflict, which Aboudia himself experienced and survived. With the high acclaim of his true-to-life works from this period, Aboudia has then become an internationally popular artist. This work can be considered a very crucial work which was painted during the period that marked the start of his career. Artist Profile https://is.gd/Ii8bQj #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #Aboudia #figurativepainting #collage #CôtedIvore #IvoryCoast #contemporaryartist #contemporaryartcollector

藝術家: 路易絲・布爾喬亞 題目: 無題 年份: 1968 介體: 水彩, 畫紙 尺寸: 作品: 18.1 x 29.5厘米 (7 1/8 x 11 3/8吋) 畫框: 39.4 x 48.9厘米 (15 1/2 x 19 1/4吋) 2023年從小山登美夫畫廊購入 @tomiokoyamagallery Collection #562KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 2F 布爾喬亞是一位著名的雕塑家，但她自藝術生涯開始便創作了大量繪畫作品。她的水彩畫採用植物、風景和人物等各種主題，更成為她其後雕塑作品的靈感來源。紅色貫穿在布爾喬亞的作品中，對她極具特別強烈的意義。布爾喬亞的紅色代表負面情緒，體現了血、肉、暴力和痛苦等元素。這作品被認為是一幅海景畫。巨大的白浪洶湧地朝紅色的天空波動。彷彿是布爾喬亞高漲的情緒轉化作波浪，染紅了天空，向觀眾襲來。在布爾喬亞的作品中，所描繪的人體以象徵方式與自然元素融爲一體。布爾喬亞沒有刻意美化蘊藏在自身自心的痛苦與折磨，她的創傷已經從厭惡的人體中釋放出來。乳房呈圓山脈形態，頭髮如藤蔓般延伸蜿蜒。雖然這作品並沒有看到這種直接的表達方式，但值得注意畫作底部中央的空白處，與布爾喬亞經常描繪的孕婦剪影十分相似。從鮮紅的天空、波濤洶湧的海浪和略顯柔弱的婦女身影，觀衆可能聯想到分娩的痛苦與喜悅交織在一起。 Artist Profile 路易絲・布爾喬亞 1911年生於巴黎(法國)，2010 年卒於紐約。1935年畢業於巴黎索邦大學數學系，其後轉向藝術發展。她先後就讀多所美術院校，包括羅浮宮學院(1935-1936 年)、朗松學院(1936-1937 年)、法國美術學院(1936-1938 年)、朱利安學院(1938 年)和大茅舍藝術學院(1937-1938 年)。其間，她師從著名野獸派畫家費爾南・雷捷(Fernand Léger)等人，並於 1938 年與美國的美術史學家羅伯特・戈德沃特(Robert Goldwater)結婚並移居紐約。在布爾喬亞居於巴黎的時期，她對具有根深蒂固的封建父權制精神的家庭環境和社會抱有強烈不滿。她透過在學業和藝術上的出色才能，持續抵抗因作為女性所受的限制。她同時學習野獸派、立體主義、超現實主義等各種近現代藝術的思潮。此外，她以自身堅強的意志從第二次世界大戰和法國五月革命等社會動盪的時期中存活下來。抱持對抗壓迫的鬥爭精神，許多布爾喬亞所創作的作品都強烈展示了女性主義的特質，並承繼了如歐姬芙(O’Keeffe)和艾格尼絲・馬丁(Agnes Martin)等藝術界常稱的原女性主義者的精神。更推動女性主義藝術在七八十年代達至高峰，她可以說是不斷為其開拓道路的一位革命者。作為現代女性藝術家，或者說作為代表20世紀的最優秀雕塑家之一，其地位如今已是無可撼動。可以毫不誇飾地說，國際上主要的現代美術收藏和機構中必定藏有她的作品。即使在她去世後，她的展覽仍持續被舉辦，對其評價和研究亦繼續不斷更新。 CV: https://www.hauserwirth.com/artists/2777-louise-bourgeois/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #watercolor #drawing #contemporaryartist #contemporaryartcollector #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #現代美術 #現代藝術 #藝術收藏 #收藏家 #路易絲布爾喬亞 #LouiseBourgeois

Artist: Robert Longo @robert_longo_studio Title: untitled (small Venus) Year: 2005 Medium: charcoal on paper in artist’s frame Dimensions: 62.7 x 62.7 cm (24 5/8 x 24 5/8 in.) Acquired from Phillips, 2022 @phillipsauction Collection #508KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Longo worked on a large-scale series called “OUTWARD AND VISIBLE SIGNS” around 2005-2006, depicting planets and astronomical bodies. As the title suggests, this compact work is one of the pieces in the series. It is a painting of Venus, the planet considered the most Earth-like with an atmospheric layer mainly composed of concentrated sulfuric acid but also generates clouds. Longo likely drew this work based on detailed astronomical observation data. The characteristic large whirlpool at the pole of Venus is depicted vividly. In addition, the eclipse blends into the blackened background of cosmic space, but with a closer look at the work, half the Venus is carefully drawn with slightly different brush pressure and density. Although the impact of the scenes depicted in Longo's charcoal works often catches viewers’ eyes, only the leading artist could express exceptional delicate drawing techniques like those in this work. Longo's famous early sculpture “DEATH STAR” imitating an astronomical body, featured a sphere fixed with 18,000 bullets. However, beyond this, Longo's works which are depicted as if they were cut out of a monochrome film frame, often evoke a somewhat deadly feeling. In this work, even though Venus is the nearest planet, it reminds us of its distance from human life. To think of death is also to think of life. Artist Profile https://is.gd/gOFw58 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #RobertLongo #drawing #charcoal #venus #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: Jean-Michel Othoniel @othoniel_studio Title: Oracle Year: 2022 Medium: Indian rose mirrored glass, stainless steel Dimensions: 13 x 146 x 22 cm (5 1/8 x 57 1/2 x 8 5/8 in.) Acquired from Kukje Gallery, 2022 @kukjegallery Collection #466KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Bricks have been a regular feature of Othoniel’s work since the ’90s and constitute a signature motif of the artist along with beads. For example, the large-scale 2018 installation “Big Wave” was created by piling up blown-glass bricks into the shape of a tsunami. Bricks occupy an important position throughout human history. Since ancient times, people have used them to build houses, fortresses, roads, and hearths for survival. Othoniel is always aware of the way his works function in space; to develop the relationship between a sculptural work and its planned site, his thinking extends to architecture, mathematics, and even the history of human life. This work, which is characterized by its resemblance to an extracted section of a brick wall, was named “Oracle.” Othoniel has spoken of how artists are like prophets who were able to see into the future, and he sees his works as being like oracles. Bricklaying is the repetition of simple and logical structures, yet it serves as a kind of code that makes us imagine the oracle that came down to Othoniel. Artist Profile https://is.gd/2tdS8s #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #JeanMichelOthoniel #sculpture #glass #brick #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: Jean-Michel Othoniel @othoniel_studio Title: pink Lotus Year: 2015 Medium: Mirrored glass, stainless steel Dimensions: 130 x 150 x 100 cm (51 1/8 x 59 x 39 3/8 in.) Acquired from Kukje Gallery, 2023 @kukjegallery Collection #398KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This work is hung from the ceiling by wires and displayed in midair. The glass spheres that make up the work have a mirror surface and are colored in shades of pink as the title suggests. The round mirror surface reflects the surrounding scenery in all directions, which changes rapidly as the viewer’s perspective moves. The work appears to be composed of multiple rings, but when unraveled, it becomes the structure of a single line. This work was exhibited in the large-scale solo exhibition “Treasure Gardens” at Sema - Buk-Seoul Museum of Art in 2022. Although Othoniel has exhibited many lotus flower-themed works in the past, Othoniel particularly expressed his keen interest in gardens and flowers in this exhibition, with an installation of beaded works resembling water lilies placed in the museum’s lotus pond. The lotus flower, which keeps blooming in the morning and closing in the afternoon, serves as a metaphor for the reincarnation of life and death for Othoniel. With reincarnation in Othoniel’s mind and his use of a single-ring structure in the work, Orientals naturally associate it with prayer beads. Prayer beads are for counting prayers. Thus, this is the lotus as a representation of prayer and reincarnation. In addition to the meaning of elements such as glass, mirror, and ring in Western art, Othoniel’s work reveals a deep understanding of the Eastern view on life and death, including Buddhism. Artist Profile https://is.gd/2tdS8s Photo by Chunho An, Image provided by Kukje Gallery #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #JeanMichelOthoniel #sculpture #beads #mirror #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: Vik Muniz @vikmuniz Title: The Card Players, after Cezanne (Series from Pictures of Magazines 2) Year: 2012 Medium: digital C-print Dimensions: 180.3 x 225.4 cm (80 x 88 3/4 in.) Acquired from nca | nichido contemporary art, 2022 @nca_nichido_contemporary_art Collection #316KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This is one of Muniz’s representative series, which reproduces famous paintings using magazine clippings. The subject of this work is Cézanne’s “The Card Players (Les Joueurs de Cartes).” There are several masterpieces and variations of this famous painting by Cézanne. Muniz’s reproduction in this work is said to have been created between 1894 and 1895 and is in the collection of the Musée d’Orsay. In the painting, two men who appear to be farmers face each other across a table. The straight light that shines on a bottle of wine placed in the center of the table bisects the canvas straight down the middle as if to predict the outcome that will eventually be reached. In this work, Muniz has masterfully created color tones and shades using a variety of printed materials, even replicating Cézanne’s brushstrokes to the best of his ability. From afar, one can see the work is faithful to the original painting down to the smallest details. However, upon closer look, the fire lit in the pipe and the curve of the hat brim are the unexpected images. A bright red sports car is hidden in what appears to be a brown table. One wonders how many magazines were opened to find each appropriate image, a feat made possible by Muniz’s extraordinary observational skill, allowing him to resolve every detail of the original work. Moreover, only people with a high level of color composition ability could have done it. Artist Profile https://is.gd/fX3NeV ©Vik Muniz Courtesy of nca | nichido contemporary art #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #VikMuniz #photography #collage #cezanne #hommage #contemporaryartist #contemporarysculpture #contemporaryartcollector #vikmunizart

Artist: IMAZU Kei @kei_imazu Title: Drowsiness Year: 2022 Medium: oil on linen Dimensions: 194 x 162 cm (76 5/8 x 63 3/4 in.) Acquired from ANOMALY, 2022 @anomaly_tokyo Collection #501KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This painting, titled “Drowsiness,” is composed of a hazy enmeshment of various motifs, characteristic of Imazu’s work. These motifs seem to suggest something through their sequential nature. While the elements—such as the large flower petals, sea creature, tree, skull, fish, Eastern-style mermaid, female figure, and large arm—seem interconnected, there is also a sense of incoherence akin to the disorder felt in a dream. Imazu frequently explores mythology as the subject of his work. Assuming the large painted flower is an anemone, in Greek mythology, it symbolizes death or tragic love. Needless to say, the skull can be interpreted as a symbol of death in the painting. While Hypnos is the god of sleep, he is born from Nyx (Night) and shares this divine parentage with Thanatos and Moros, gods associated with death. Thus, sleep is tied to the realm of death. In Dante’s “Divine Comedy,” famously illustrated by William Blake, Dante, who falls into a deep sleep, is guided by the angel Lucia while in a dream-like state. When viewing this work through the expression “falling asleep,” one can observe a slumber-like serenity, much like drifting in tranquil waters that intertwined with the horror of descending into the dark and deep underworld. Artist Profile https://is.gd/7GiM9N #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #semiabstractpainting #semifigurativepainting #hypnos #contemporaryartist #contemporaryartcollector #ImazuKei

藝術家: 廣直高 @naotakahiro 題目: 無題 (說話) 年份: 2023 介體: 壓克力顏料, 鉛筆, 紙捲油蠟筆, 紙 尺寸: 106.7 x 81.3 厘米 (42 x 32 吋) 2023年從Misako & Rosen購入 @misakoandrosen Collection #619KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 廣的作品以自己的身體為起點，其身體毫無疑問表明了自身的存在。然而，我們無法用眼睛直接看到自己的背面。廣的作品表現了儘管身體確切地存在，但有些部分我們卻無法辨認。像本作般的畫作中，他直接躺於紙上，以自己的身體進行創作。而在類似的作品中，其繪畫的起點則與自己的身體部位(如乳頭或生殖器等)相對應。意味著作品與廣的身體之間所存在的直接關聯。本作亦然，畫面緩緩地構成了左右對稱的造形。儘管人類的肉體之間存在差異，但也大概是軸心對稱的。雖然本作乍看之下顯得很抽象，卻是廣直高本人極為具象的身體形象。他幻想自己眼睛看不到的身體部位，即使是能看到的部位，他亦不會相信自己的視覺，而是利用感性去塑造出作品。在人類的成長過程中，我們從童年開始逐漸獲得對身體形象的認知，不需親眼看見也能大致了解自己的身體構造。換而言之，我們總是對他人的身體抱有強烈關心，但忘卻了於日常生活中最為熟悉的自己的身體。對於我們最確實存在-自身身體的遺忘或是有未知的領域存在於體內，當中表明了我們對這些事實抱有一種類似恐懼的強烈關心。 Artist Profile 廣直高 1972年出生於大阪，1997 年畢業於加州大學洛杉磯分校(UCLA)，2000年完成在加州藝術學院的碩士課程。他曾短暫為村上隆和保羅·麥卡錫(Paul McCarthy)擔任助手，後來以洛杉磯為其藝術活動據點。他的作品表現形式多種多樣，包括影像、雕塑和繪畫，特別強調以身體性，尤其是藝術家自身的肉體為出發點。2022 年，他在阿斯彭藝術博物館(美國)舉辦了個展，該博物館亦作為坂茂的建築設計而聞名。主要群展包括2003年布拉格雙年展1(布拉格國立美術館，捷克)、2015年波莫納學院美術館(美國)和 La Ferme du Buisson 現代藝術中心(法國)、2021年內華達美術館，以及2022 年洛杉磯郡立美術館等。其作品收藏於現代藝術博物館(紐約)、惠特尼美國藝術博物館(紐約)、漢默美術館(洛杉磯)和聖塔芭芭拉美術館等。 CV: http://misakoandrosen.jp/artists/naotakahiro/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #廣直高 #HiroNaotaka #drawing #body #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #說話 #Speaks

藝術家: 安德烈斯·古爾斯基 題目: 曼谷IX 年份: 2011 介體: 噴墨打印, 藝術家原裝畫框 尺寸: 307 x 221 厘米 (120 7/8 x 87 吋) 系列: 共6件中的1件 2023年從蘇富比購入 @sothebys Collection #609KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 古爾斯基在2011年春天到訪曼谷並拍攝昭披耶河。這條在喧囂大都市中悠悠流淌的河流，在歷史上和地緣政治上一直與泰國血脈相連。作為重要的河川交通路線，河上漂浮着船舶油污和漂流物，與古爾斯基昔日拍攝的萊茵河美景截然不同，這反倒吸引了他的目光。若在不了解作品背景的情況下觀賞此作，在認知到這是一幅「某河流的照片」前，必定會先將注意放到黑白中強烈的垂直感上。這顯然讓人聯想到巴尼特·紐曼(Barnett Newman)的《拜苦路》和《拉鏈》。靠近觀察本作的話，漂流物和河面的細節清晰地映入眼簾，作品的具象性亦得以恢復。然而，當中卻沒有人的身影或曼谷的街道，只有在一般河流都能看到的垃圾和倒映在水面的昏暗天空。在巨大得像無法進入觀者視野的畫面上，垂直平行地延伸的黑色陰影令觀者喪失了對遠近的距離感。人的眼睛本不能以這種方式來看見現實。本作看起來像是以一個超然的廣闊視角捕捉河面的一小部分，再將其放大。古爾斯基透過消除或改變本應存在的事物，並有意圖地「製作」照片。因此，本作亦是一幅經過操縱製作出來的圖像。如果說古爾斯基試圖在本作實踐「抽象性」，他思考的觀點應該是從「曼谷昭披耶河」這強烈的特定性中，更多地抽象出「河流」及其「問題」。河流污染並不只發生在曼谷。作為圖像，透過將不均的醜劣昇華為普遍的美感，當中被抽象的內容正是古爾斯基對觀者的提問。在古爾斯基的作品中，照片圖像並不總是代表正確的現實，但現實與虛構的交疊有時卻更能說明真相。 Artist Profile 安德烈斯·古爾斯基 1955年出生於萊比錫(德國)，在弗克望學校(埃森)跟從邁克爾·施密特(Michael Schmidt)學習，並於1980年畢業。1987年之前在杜塞道夫國立藝術學院師從貝恩德·貝歇爾(Bernd Becher)及卡斯柏·柯尼格(Kaspar König)，1985年跟隨貝歇爾完成其碩士課程。2010年至2018年間，他在杜塞道夫國立藝術學院擔任教授一職。他是「貝歇爾學派」的第一代成員，該學派被稱為在現代攝影中最重要的學派。正如他們被形容為實踐攝影類型學的一群人，而古爾斯基以自然主義的方式追求事件現象的類型來貫穿主題。同時，他通過數碼照片的合成和加工處理等技術，將超脫的奇觀引入攝影表達當中。其主要個展舉辦於包括在Fondazione MAST(波隆那)（2023年）、愛茉莉太平洋美術館(首爾)（2022年）、Museum der bildenden Künste（2021年）、2巴塞爾美術館（2018年）及國立新美術館(東京)／國立國際美術館(大阪)（2013-14年）等地。 他亦在各地舉辦了大型回顧展，包括在藝術之家(慕尼黑)、伊斯坦堡現代藝術博物館、阿聯酋沙迦美術館和維多利亞國家美術館(墨爾本)（2007-2008年）；現代藝術博物館(紐約)、蘇菲雅王紀藝術中心(馬德里)、龐比度中心(巴黎)、芝加哥當代藝術博物館和三藩市現代藝術博物館等（2001-2002年）。其作品被世界主要的現代美術館及機構所收藏。2011 年，《萊茵河2號》(1999 年)在佳士得拍賣行(紐約) 以430萬美元售出，創下了現存攝影師作品的歷史最高價記錄。 CV: https://spruethmagers.com/artists/andreas-gursky/ Courtesy of Sotheby's #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #AndreasGursky #写真 #photograph #ChaoPhraya #BecherSchule #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #安德烈斯古爾斯基 #曼谷IX #BangkokIX

藝術家: 加賀温 @kagaatsushi 題目: Past is always bright / 過去總是明亮的 年份: 2016-2020 介體: 壓克力顏料, 畫布 尺寸: 150 x 100 厘米 (59 x 39 3/8 吋) 2023年從MAHO KUBOTA GALLERY購入 @mahokubotagallery Collection #614KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 這是作為加賀的代表性主題，一隻名為Usacchi (うさっち)的兔子。他小巧可愛，但臉上的表情卻總是顯得有些憂鬱。 他反覆地對鏡子自言自語，經常看起來懶洋洋地和貌似夥伴的受傷小熊一同/度過時光。在本作中，他站在宛如夜晚的深藍色背景，在閃爍的彩虹色裝飾的點綴下，胸前抱着一個色彩繽紛的圓形物體。畫作上塗滿閃光，反射出微小的光芒。若仔細觀察，便會看到像捲起盤繞於底畫的激烈筆觸擾亂了畫面的靜寂。雖然標題《Past is always bright》(過去總是明亮的)聽起來像是一句箴言，但這是對過去的悔悟、對現在的悲觀、還是對未來的斷念，我們無法從兔子臉上那看似僵硬且淡然的微笑中窺探到其真正含義。兔子抱着的球體中央有一個像是記號的東西，看起來是一個環形絲帶的符號。兔子一動不動，那僵硬的姿態就像在說不要打擾他一樣。 Artist Profile 加賀温 1978年出生於東京，2001年畢業於 Coláiste Stiofáin Naofa(科克，愛爾蘭)，2005 年畢業於國立藝術設計學院(都柏林，愛爾蘭)。完成學業後，他以愛爾蘭為據點繼續活動，自2005年首次舉辦個展至2018年為止33，他在都柏林、紐約和聖保羅等地舉辦了多次個展，卻沒有在日本展出過作品。他持續繪製具有獨特暱稱的擬人化動物，例如Usacchi和Panda dad等，它們的生活充滿喜怒哀樂，某程度上比人類顯得更為人性化。他在日本出生和成長期間所吸收的各種文化，以及在愛爾蘭學習到的凱爾特文化和民族歷史，成就了一種獨特的融合。近年來，他在京都進行創作，受琳派等風格所影響，將金箔背景等元素融入到作品中，並不斷發展出柔軟靈活的藝術表現手法。不止繪畫，他還在母親去世前與她一同進行了「Nerd Bag Project」，這是一個加賀在母親縫製的袋上作畫的演出。除了持續獲得愛爾蘭藝術委員會的活動資助外，加賀還在 2011年獲得了蒙特布朗年輕藝術家世界贊助獎，並參與了在邁阿密、聖保羅和紐約等地舉辦的眾多駐留計劃。 CV: https://www.mahokubota.com/wp/wp-content/uploads/2017/11/d21078f921584878d2e0adb76da2947c.pdf #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #加賀温 #KagaAtsushi #figurativepainting #usacchi #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #過去總是明亮的 #Pastisalwaysbright

Artist: Olafur Eliasson @studioolafureliasson Title: Eye see you Year: 2006 Medium: stainless steel, aluminum, color-effect filter glass, mono-frequency bulb Dimensions: 230 x 120 x 110 cm (90 1/2 x 47 1/4 x 43 1/4 in.) Edition: No. 24 of 30 Acquired from Gallery Koyanagi, 2022 @gallerykoyanagi Collection #404KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya This is an installation work created by Eliasson in 2006, presenting artworks using light as a medium of expression. In “The weather project,” which was exhibited at Tate Modern in London in 2003, Eliasson used mono-frequency light to repaint all visible light in the space yellow. In its location of the former power plant, the work was an artificial representation of the sun, a symbol of energy for humans. While the natural world is gifted with full of colors from the wide range of frequencies in sunlight, the mono-frequency light used in this work has a nature of extremely narrow frequency range. Thus, the natural colors of the objects that are exposed to this light cannot be perceived properly. Eliasson urges viewers to relate to a kind of empathy by placing restrictions on this heavenly gift of light from the sky that equally pours on all nature. Everyone who stands in front of this work equally loses their differences shown by clothing and skin color. Through sharing this unique environment, viewers are given the possibility to be freed from any attributes and to face each other again as truly equal human beings. In this collection, this work is displayed as an installation of infinitely amplified light by using the walls of the exhibition room in the museum as mirrors, with reference to the installations used at Tate Modern. Artist Profile https://is.gd/lp0Dur Photo: ERIC Photo courtesy of Organizing Committee for Yokohama Triennale Installation view, Yokohama Triennale 2017 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #OlafurEliasson #installation #light #MonochromaticLight #contemporaryartist #contemporaryartcollector #EyeSeeYou

藝術家: 丹・科倫 @hellhillel 題目: 母親 (冬天的城鎮) 年份: 2023 介體: 布面油畫 尺寸: 69.8 x 117.8 厘米 (27 1/2 x 46 3/8 吋) 2023年從高古軒購入 @gagosian Collection #608KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 科倫從2008年開始創作「母親」系列，作品主要取材自電影《小鹿斑比》中的背景畫。他至今引用了多部迪士尼電影的畫面進行創作，如之前「蠟燭畫」系列引用了《木偶奇遇記》，「奇蹟」系列則引用了《幻想曲》。透過引用動畫電影中的「背景畫」，他承接了電影中的敍事性，但沒有讓故事的核心人物登場。科倫試圖以繪畫的形式，讓這些從現有動畫中提取的圖像發揮象徵的作用。本作描繪了雪景中靜謐的住宅街道。房屋的窗戶能看到燈光，卻看不到人影。畫作的構圖旨在將所有目光吸引到作品中央的一棟房子上。熟悉這景色的人大概一眼便能認出這幅畫的出處。這是《小姐與流氓》的開場場景，是一部在日本亦十分著名的動畫電影。在電影中，伴隨着頌唱世界和平的歌聲，畫面被逐漸拉近到中央的一棟房子上。接着，靠近溫暖的窗邊時，映入眼簾的是一棵裝飾在屋內的聖誕樹。最後，放在樹下、綁上絲帶的禮物盒被打開，主角之一的小狗探出頭來，愉快的故事就此展開。這個場景本應描繪了屋外的人們，但科倫似乎有意抹去他們的存在，以突出當中的孤獨感。本作名為《母親》，而電影則是一個講述兩隻小狗發現彼此的愛並共組家庭的故事。本作以現代故事畫的形式呈現了在這份孤獨的盡頭，那棟房子所象徵的意義。 Artist Profile 丹・科倫 1979年出生於新澤西州(美國)，2001年畢業於羅德島設計學院。他與瑞安・麥克金利(Ryan McGinley)、戴許・史諾(Dash Snow)等人作為911事件後帶領紐約藝術界的藝術家而備受注目。他的創作以極具多樣性見稱，作品形式涵蓋雕塑、繪畫、裝置藝術等各種形式。尤其可見於他的繪畫作品，涉及具象、文字、抽象、概念等，其廣泛程度讓人無法輕易抓住作品的本質。當中包括像以模仿鳥糞的抽象畫系列及以迪士尼電影《木偶奇遇記》為題材的「Candle Painting」系列。此外，他的活動領域亦十分廣泛。藝術創作以外，他還在紐約郊區設立了一個名為Sky High Farm的非牟利農場，其生產的所有農產品和肉類都會捐贈給食物銀行和慈善團體。除了2015年在海寧現代藝術博物館(丹麥)和2016年在達拉斯當代藝術中心舉辦的美術館個展外，他從活動初期就被藝術界的大人物發掘，包括紐約的高古軒(Gagosian)，傑佛瑞・德奇(Jeffrey Deitch)以及倫敦的薩奇(Saatchi)，並在頂級畫廊舉辦過多次展覽。他還參加了2006年的惠特尼雙年展和2013年的第12屆里昂雙年展等國際展覽。其作品被赫尚博物館和雕塑園(華盛頓特區)、惠特尼美國藝術博物館(紐約)、當代美術館 (斯德哥爾摩)、海寧現代藝術博物館(丹麥)等公共機構及世界各地的私人收藏所收藏。 CV: https://gagosian.com/artists/dan-colen/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #DanColen #具象絵画 #figurativepainting #LadyandtheTramp #引用 #appropriation #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #丹科倫 #母親 #Mother

Artist: Ryan Gander @ryanjgander Title: On slow Obliteration, or How are you still hungry Year: 2019 Medium: flip-dot panel, powder-coated aluminium tray frame, rub-down transfer Dimensions: 130 × 86.1 × 7.8 cm (51 1/8 x 33 7/8 x 3 in.) Acquired from TARO NASU, 2022 @taronasu_tokyo Collection #459KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This piece is part of a series of works titled “On Slow Obliteration, or”. It is an installation that creates an animation resembling raindrops or dewdrops falling by flipping the round dots according to a certain algorithm. The dots are around 1cm and change color on both sides like the Othello game piece. Both sides of the flip-dots in this work are silver and light gray. The silver side glows white or sinks to black depending on the current lighting conditions, which alters the perception of the depiction of flowing rain when it turns lighter or darker than the intermediate gray. In this series, text is added to every installation work, and in this work, a list of prominent artists' names from art history is presented. Beginning with Cuno Amiet of the Pont-Avern School and ending with German artist Ull Hohn, who died young, there are almost no rules or meanings to be found in this sequence. To recognize the flickering motion of the flip dots in this work as “rain falling” or “water droplets dropping”, it is necessary to stand in front of the artwork for some time. In the meantime, viewers may occasionally glance at the text that looks like a collection list of a prominent museum, while hoping for some dramatic actions to occur. Time is an asset for many people, and to think contrarily from this viewpoint, the names listed in the text represent the acknowledged values throughout the time axis of art history, symbolizing the passage of time. Artist Profile https://is.gd/BFjTkm #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #RyanGander #conceptualart #flipdot #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: Ikeda Ryoji @_ryoji_ikeda_ Title: data.scan [n°1b-9b] Year: 2011 / 2022 Medium: LCD monitor display, computer Dimensions: 61.1 x 35.6 cm (24 x 14 in.) each, a set of 9 Acquired from TARO NASU, 2022 @taronasu_tokyo Collection #382KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando The core of this work is the torrent of a large number of data displayed on 9 monitor displays. For Ikeda, who calls himself a composer, the common thread that runs through his work in both music and visual art is the construction of universality observable through data. This work was created as part of a project titled “datamatics,” which has been ongoing since 2006. Assuming data is the smallest unit representing the world, the expanse of infinity will emerge by increasing the pixel resolution in the case of visible light or frequency in the case of audible sound to the utmost limit. Ikeda expresses it as “invisible and diverse substantiality," while humans treat data as a rational index to visualize invisible entities. In this work, although each of the 9 monitor displays shows different visuals, they are manipulated by a computer to visualize some form of data in a two-dimensional display. As a result, they are presented as a model of multidimensional space. Faced with flooding information that far surpasses human processing capabilities, viewers may not question what these data mean. Instead, one can only confront the fact with awe akin to sublimity, that these correctly invisible concepts observed through vast amounts of information and calculation are being expressed as visible phenomena. This work was exhibited at the solo exhibition at the Hirosaki Museum of Contemporary Art in 2022 and Okayama Art Summit 2022 in the same year. Artist Profile https://is.gd/dKZS0j pic1-3: © 2022 Okayama Art Summit Executive committee Courtesy of the artist and TARO NASU Photo by Yasushi Ichikawa pic4: © 2022 Hirosaki Museum of Contemporary Art Courtesy of the artist and TARO NASU Photo by Takeshi Asano #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #IkedaRyoji #MediaArt #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: 篠原有司男 / SHINOHARA Ushio Title: Motorcycle Year: 1993 Medium: mixed media Dimensions: 117 x 139.5 x 63.5 cm (46 1/8 x 54 7/8 x 25 in.) Acquired from SBI Art Auction, 2022 @sbiartauction Collection #454KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 篠原にとって「ボクシング・ペインティング」と並んで代表的な作品シリーズとして知られる「オートバイ彫刻」。ダンボールやさまざまな廃品を集めて構築してオートバイの造形を作り出している。篠原は1969年にニューヨークへ渡ったものの、成功とは程遠い苦労と貧困の日々に喘ぎながら模索を続けた。ニューヨークの街中に捨てられていた廃材を拾い集めて実物大のオートバイを制作したのが1972年、それ以来継続的にこのシリーズに取り組んだ。篠原の作品は、美術の世界的中心地であるニューヨークにおいてアーティストとして生き残るために戦い続ける爆発的なエネルギーに満ち溢れている。本作も、単なるオートバイということはなく、それに乗る2人の人物は騒音とスピードに自らの感情を乗せて、その相貌はもはや暴力的ですらある。作品全体を覆う絵具などが混ざり合った液状のものは執拗なほどに重ね掛けられており、グロテスクに見える。他方、篠原の明るい性格を映すように、見方によってそのグロテスクさや暴力性はコミカルさにも転換する。廃材という一度はその内在するエネルギーを消費し尽くしたものを、強引に組み合わせて再び力強く蘇らせていく様子は、篠原の精神に内燃し続ける今なお止まないハングリーさが重なって見えてくる。 Artist Profile 篠原有司男 / SHINOHARA Ushio 1932年東京都生まれ。1952年東京藝術大学美術学部油絵学科に入学、1957年に同大学を中退。在学中の1955年より読売アンデパンダン展に出品するなど旺盛に発表活動を続け、1960年には吉村益信や赤瀬川原平、荒川修作らとともに「ネオ・ダダイズム・オルガナイザーズ」を結成、篠原はその活動マニフェストを起草した。60年代の日本現代美術の傾向を象徴する「反芸術」(東野芳明)を体現する作家の一人。ロックフェラー三世基金・アジア文化交流プログラムによって渡米後は、ニューヨークを拠点に活動を続けている。ボクシンググローブに絵具を付け、キャンバスを殴りながら描く「ボクシングペインティング」や、ラウシェンバーグやデュシャン、ジャスパー・ジョーンズなどの作品を大胆に引用した「イミテーションアート」、絵具をぶちまけた廃材・ダンボールなどを強引にオートバイとして組み上げる「オートバイ彫刻」など、破天荒な作風で知られる。個性的なキャラクターから「ギューちゃん」の愛称で広く親しまれる。2013年には有司男・乃り子夫妻に密着したドキュメンタリー「キューティー＆ボクサー」が公開され、同作は2014年の第86回アカデミー賞・長編ドキュメンタリー部門にノミネートされた。MoMA(NY)、リヨン現代美術館、プラハ国立美術館、国立国際美術館(大阪)、東京都現代美術館など、美術館コレクション多数。2012年にはNY州立大学のドースキー美術館での個展、2015年からダラス美術館、ウォーカーアートセンター、フィラデルフィア美術館を巡回した「Ijnernational Pop」、同じく2015年にテート美術館の「The EY Exhibition：THE WORLD GOES POP」展、2017年には刈谷市美術館での個展、2021年にはプラダ財団(ベニス)でアーティストのピーター・フィッシュリのキュレーションによる「Stop Painting」に参加するなど、近年ますます国内外での評価を高めている。 CV: http://anomalytokyo.com/artist/ushio-shinohara/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #篠原有司男 #shinoharaUshio #彫刻 #sculpture #オートバイ #motorcycle #ギューチャン #GyuChan

Artist: Olafur Eliasson @studioolafureliasson Title: Eye see you Year: 2006 Medium: stainless steel, aluminum, color-effect filter glass, monofrequency bulb Dimensions: 230 x 120 x 110 cm (90 1/2 x 47 1/4 x 43 1/4 in.) Edition: No. 24 of 30 Acquired from Gallery Koyanagi, 2022 @gallerykoyanagi Collection #404KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 光を媒介とした表現によって作品を発表しているエリアソンによる2006年制作のインスタレーション作品。エリアソンは、2003年にロンドンのテート・モダンで展観された「The weather project」において、単一周波数ライトを用いて空間内のすべての可視光を黄色に塗り替えた。それは元発電所というロケーションにおいて、人類にとってエネルギーの象徴である太陽を擬似的に表したものだ。自然界が色彩に溢れているのは太陽光に含まれる周波数の領域が広いことの恩恵だが、本作にも用いられているこの単一周波数ライトは極めて狭い周波数特性を持っているため、この光にさらされた場合、物体が本来持っている色彩を正しく認識することができなくなる。エリアソンはこの、光という万人に等しく降り注ぐ天上からの恩恵に対して制限を加えることによって、私たちにある種の共感を促すのである。本作の前に立ったものは皆等しく服や肌の色で示される差異を喪失する。この特殊な環境を共有することで、その時その空間においては、私たちはお互いを属性から解き放たれた真に平等な人間同士として改めて向き合う可能性を与えられる。当コレクションにおいては、テート・モダンのインスタレーションを参照し、美術館内の本作品展示室壁面を合わせ鏡とし無限に増幅する光のインスタレーションとして展観する。 Artist Profile Olafur Eliasson 1967年コペンハーゲン(DK)生まれ。1995年デンマーク王立美術院を卒業。2003年にTate Modernにおいて発表した「The Whether Project」で一躍その名を世界中に知らしめた。太陽を模した巨大なオレンジの光が人工的な霧がかかったホールに吊るされ、人々は床に寝そべって天井一面に貼られた鏡にぼんやりと映る自分達の姿を見上げながら過ごした。オラファーの作品は常に、光と、空間と、そして鑑賞者の目を必要とする。自然現象を人工的に再現する、あるいは模倣することで、人々を擬似的な環境におく。地球規模の気候・環境問題やエネルギー問題なども作家にとっては作品と地続きであり、ベルリンに置かれているスタジオ・オラファー・エリアソンは、作品のプロダクションだけではなく、作家の作品制作の動機である空間認知に関する研究や環境問題に対する取り組みのための拠点となっている。2014年にウルフ賞芸術部門、2023年に高松宮殿下記念世界文化賞を受賞。 CV: https://olafureliasson.net/biography Photo: ERIC Photo courtesy of Organizing Committee for Yokohama Triennale Installation view, Yokohama Triennale 2017 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #OlafurEliasson #installation #インスタレーション #light #光 #単色光 #MonochromaticLight

Artist: Jean-Michel Othoniel @othoniel_studio Title: pink Lotus Year: 2015 Medium: Mirrored glass, stainless steel Dimensions: 130 x 150 x 100 cm (51 1/8 x 59 x 39 3/8 in.) Acquired from Kukje Gallery, 2023 @kukjegallery Collection #398KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 本作は天井からワイヤーで吊り下げ、中空に展示される。作品を構成するガラスの球体は鏡面になっており、タイトルにあるように濃淡のピンクで着色されている。丸い鏡面は周囲の景色を全方向的に写し取り、そしてそれは鑑賞者の視点の移動に応じて目まぐるしく変化する。多重の円環で構成されているように見えるが、紐解けば一本の線になる構造になっている。本作は2022年Sema - Buk-Seoul Museum of Art(ソウル市立北ソウル美術館)での大規模な個展「Treasure Gardens」において展示された。過去にも蓮を題材とした多くの作品を発表しているが、この展覧会においてオトニエルは特に庭園や花への高い関心を表現し、美術館の蓮池には睡蓮を模したビーズ作品のインスタレーションが配された。朝に開き午後には閉じることを繰り返す蓮の花は、オトニエルにとって生と死を繰り返す輪廻のメタファーである。オトニエルが輪廻を念頭において一つなぎの円環構造を作品に用いることに東洋人としての私たちは自ずと数珠を連想するだろう。数珠は祈りを数えるためにある。これは祈りと輪廻の表象としての蓮なのである。オトニエルの作品には、西洋美術におけるガラス・鏡や円環といった要素の持つ意味性に加えて、仏教を含む東洋的な死生観への深い理解が示されている。 Artist Profile Jean-Michel Othoniel 1964年サン=テティエンヌ(FR)生まれ。1988年、パリ・セルジー国立美術学校(セルジー＝ポントワーズ)を卒業。1995年から1996年にかけてはヴィラ・メディチ(ローマ)のアーティスト・イン・レジデンス・プログラム参加者として選出された。1993年ごろからガラスの作品を手掛け始め、ムラーノ・ガラスとの出会い以降ガラスという素材はオトニエルの作品になくてはならないものとなっていく。ビーズ装飾の様に連鎖する球形ガラスを用いた結び目や組紐を思わせる彫刻で知られ、時には巨大なインスタレーションやパブリックアートの様な建築的なアプローチも見せる。1992年「Documenta IX」において世界的キュレーターのヤン・フートによって紹介され、同年原美術館(東京)の「Too French」展はアジアでいち早くオトニエルの作品が紹介される機会となった。オトニエルにとって世界的な飛躍となったポンピドゥー・センター(パリ, 2011年)での大規模な回顧展「My Way」は、その後サムスン美術館Leeum(ソウル)、原美術館、マカオ芸術博物館、ブルックリン美術館(NY)を巡回した。ヴェルサイユ宮殿のガラス製の噴水型彫刻作品の他にも世界中にコミッションワークがあり、日本でも多くのハート型の彫刻作品「Kokoro」シリーズが設置されている。 CV: https://www.perrotin.com/artists/Jean-Michel_Othoniel/9 #biography Photo by Chunho An, Image provided by Kukje Gallery #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #JeanMichelOthoniel #彫刻 #sculpture #ビーズ #beads #鏡 #mirror

藝術家: 丹・弗拉文 @_danflavin_ 題目: 無題 (致艾德・萊茵哈特)1b 年份: 1990 介體: 藍色, 黃色, 粉色, 紅色和綠色熒光燈 尺寸: 243.8 x 26.7 x 61厘米 (96 x 10 1/2 x 4吋) 系列: 共5版本中的第1版 2023年從富藝斯拍賣行購入 @phillipsauction Collection #603KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 弗拉文在1963 年創作了 "1963 年 5 月 25 日的對角線（致康斯坦丁・布郎庫西）"，以此向被譽爲極簡主義先驅的雕塑家布郎庫西及其作品 "無盡之柱 "致敬。在弗拉文 30 年的藝術生涯中，他一直將自己的作品獻給同鄉和他所敬仰的藝術家，這亦體現在副標題中。這件作品是他爲同期的抽象畫家艾德・萊茵哈特創作的十幅作品之一。萊因哈特最著名的作品是他的黑色抽象畫系列。這些畫作乍看之下只是簡單地用黑色塗抹，但實際上，它們被網格分割開，並疊加塗上了藍色、紅色和綠色等強烈的色調，足以引人注目。每種黑色的細微差別需要長時間觀察才能察覺。在欣賞弗拉文的作品時，主要來自藍色、紅色和綠色熒光燈的光線充斥着整個空間，每種顏色都輕微互相干擾。弗拉文稱這種以光創作的作品爲 "情境" 作品，也就是當今的裝置藝術。弗拉文從70 年代開始創作特定場地的作品可視為他理論方法的顛峰，以 "情境" 本身成爲了這些作品。儘管難以利用光線再現萊因哈特的黑色，但作品的靈性卻延續了弗拉文的審美觀。萊因哈特給我們留下 "藝術即藝術" 的格言，而弗拉文也深知這位藝術家對藝術純粹的追求。黑與光可能同樣揭示了藝術的本質。 Artist Profile 丹・弗拉文 1933 年出生於美國紐約。在1947 年至 1952 年期間，他於一所天主教神學院學習，本想成爲一名牧師，但最終加入了美國空軍。在1954-55 年服兵役時期，他參加了馬里蘭大學爲駐韓美軍提供的藝術教育課程。回到紐約後，他曾短暫在漢斯霍夫曼美術學院和社會研究新學院修讀藝術，並在1957 年至 1959 年於哥倫比亞大學修讀素描和繪畫課程。在紐約現代藝術博物館（MoMA）擔任警衛期間，弗拉文結識了索爾・勒維特 (Sol LeWitt) 和羅伯特・賴曼 (Robert Ryman) 等當代極簡主義藝術家。自 1963 年起，他便開始不斷創作光雕塑和特定場所的裝置作品，所使用的熒光燈有十種顏色（藍、綠、粉紅、紅、黃、紫外線和四種白色），由五種形狀（圓形和四根不同長度的直管）組成。弗拉文拒絕將自己的作品歸結爲宗教解釋或特定概念，而是試圖引導人們關注空間中光本身的存在。儘管如此，弗拉文的許多作品都是獻給他所崇拜的人。作爲60 年代極簡主義的領軍人物，弗拉文的作品遍佈全球。他的大型裝置藝術作品被永久收藏於紐約丹弗拉文藝術學院（Dan Flavin Art Institute）、唐納德・賈德 (Donald Judd) 創建的Chinati基金會和柏林漢堡火車站美術館等機構。弗拉文於 1996 年去世。 CV: https://www.davidzwirner.com/artists/dan-flavin/biography #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #DanFlavin #installation #FluorescentLight #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #丹弗拉文 #艾德萊茵哈特 #AdReinhardt

Artist: HIRO Naotaka @naotakahiro Title: untitled (Speaks) Year: 2023 Medium: acrylic, pencil, grease pencil on paper Dimensions: 106.7 x 81.3 cm (42 x 32 in.) Acquired from Misako & Rosen, 2023 @misakoandrosen Collection #619KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Hiro takes his own body as the starting point of his works and his own body undeniably identifies his existence. However, he cannot directly see his own back with his own eyes. In Hiro’s works, he expresses a body that should exist there but cannot be recognized. In drawings such as this work, they are created by laying his own body directly on paper. In similar works, the starting point of the drawing corresponds to a part of his own body (nipple, genitals, etc.). The meaning of using his own works as the starting point precisely lies in the direct correlation between the work and Hiro’s body. In this work, like others, the picture plane is created by a gradual symmetric form. Even though there are differences in human bodies, they are still generally symmetrical in shape. This work may seem abstract at first glance, but it is an extremely figurative image of Naotaka Hiro’s body. He imagines his body parts that are invisible to his eyes and even if they are visible, he shapes the work through sensibility without trusting his sense of sight. In the process of human development, people gradually acquire a body image from childhood and understand the approximate structure of their own body without seeing it. In other words, the strong interests people pay in the bodies of others, our bodies, are the closest in our daily lives. The strong interest shown here is akin to the fear of forgetting about one’s own body as the most certain existence, or the fact that there are unknown territories exist inside. Artist Profile https://is.gd/tv98a2 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #HiroNaotaka #drawing #body #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: MORI Osamu @osamu_mori_ Title: D after dark - Santa Claus Year: 2023 Medium: camphorwood Dimensions: 185 x 115 x 100 cm (72 7/8 x 45 1/4 x 39 3/8 in.) Acquired from PARCEL, 2023 @parceltokyo Collection #618KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando This is a stoutly built Santa Claus sculpture carved from camphorwood. Mori sometimes utilizes materials such as the deformity of wood, tree hollows, and knots in the details of his sculptures. In this work, the abdomen is richly swollen with round holes on both sides of the navel that look hollow. It is reminiscent of wounds or illnesses that excessively accentuate the vividness of the body. The fists are large like boxing gloves, clenching strongly which somehow exudes a sense of violence. While his left thumb is in a thumbs-up gesture, the fingertip is sharply pointed as if it is a weapon. His eyes with a warm smile are slightly upward and looking off into the distance, hints at elevated mood. The thick beard grown beneath his face is reminiscent of Santa Claus, but the end of it resembles male genitalia, blatantly visualizing the symbolism. The massive lower body supports his huge body, but at the same time, he has four legs. Although the word “dark” is not appropriate for the theme of Santa Claus which may bias our thoughts a little, the spirit expressed in this work leans more towards “strength” than sanctity, specifically a force characterized by overwhelming volume and veering towards violence. If this work exudes such “power” to awe those who encounter it, it is proof of Mori’s ability to carve out the raging energy hidden in the deformed tree. Like Michelangelo, who saw a living figure (viva figura) within the stone, Mori’s sculptures demonstrate that sculpture means the ability to detect the dynamics (dynamis) within the material and to bring it into an actuality (energeia) through precise technique and imagination. Artist Profile https://is.gd/fDPDI3 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #MoriOsamu #sculpture #woodsculpture #santaclaus #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: KAGA Atsushi @kagaatsushi Title: Past is always bright Year: 2016-2020 Medium: acrylic on canvas Dimensions: 150 x 100 cm (59 x 39 3/8 in.) Acquired from MAHO KUBOTA GALLERY, 2023 @mahokubotagallery Collection #614KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando The rabbit Usacchi (うさっち) is a motif synonymous with Kaga. He is cute, but always has a somewhat shadowed expression. He keeps talking to himself in the mirror and always spends time listlessly with an injured bear who seems to be his partner. In this work, Ussachi is standing in a deep blue background reminiscent of a night illuminated by sparkling rainbow decorations, holding a colorful spherical object close to his chest. The drawing is painted with glitter which repeatedly reflects small flashes of light. Upon closer inspection, one can see the vigorous brushstrokes swirling around painted sketches, disrupting the tranquility of the canvas. The title “Past is always bright” sounds like a proverb, but whether it signifies regret for the past, pessimism for the present, or resignation for the future, its true meaning is not revealed from the rabbit’s face which appears to be rigid in a faint smile. In the center of the spherical object held by the rabbit, there appears to be a symbol of a looped ribbon. The rabbit remains stiff and tense, as if saying to leave him alone. Artist Profile https://is.gd/imurTq #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #KagaAtsushi #figurativepainting #usacchi #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: 松浦美桜香 / MATSUURA Mioka @______nnnn5 Title: nn DOLL collage II Year: 2022 Medium: oil on canvas Dimensions: 145.5 x 112 cm (72 3/4 x 56 in.) Acquired from Changting Gallery, 2023 @changting_gallery Collection #620KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 松浦は自ら制作した人形やぬいぐるみをモデルにした絵画を描くことが多い。本作も、タイトルから類推される通り、手作りの人形を題材として画面に複合的な素材を用いたややコラージュ的なアプローチの作品である。明るい赤い髪が印象的だが、右目は継ぎ接ぎしたように突如として暗く鋭い視線をこちらに向けている。赤い髪と首元に掛けられたは煌びやかな宝飾によって全体的に華やかな印象であるものの、生気のない肌の色や物憂げに見える表情が一方では暗さとなって一枚の絵の中で真逆の性質が拮抗している。人らしい造形のものを命ある存在のように私たちは認識しがちだが、ここで松浦が描くものは魂のないぬいぐるみである。したがって、私たちがこの絵に人らしい表情や人体造形的な均整美を求めて鑑賞すると、恐ろしさなどの誤った感情に至ってしまう。松浦が自作するぬいぐるみや人形のように「ディフォルメ」されたものとは、本来の意味を辿れば自然的造形の模倣から離れて、歪曲され、変形された表現を指す。そこに人らしさを求めてしまう私たちの期待の眼差しにおいては、松浦がモチーフに見出した造形的な美しさが真逆に転じて見えているのである。 Artist Profile 松浦美桜香 / MATSUURA Mioka 2001年、東京都生まれ。2020年多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻入学(在籍中)。油彩画、木炭画、陶器やファブリックによる立体造形など作品の形態は多様。絵画では記憶にある他者の姿や、自作のぬいぐるみをモチーフとして描いており、歪んだ造形や姿勢が木炭や油彩によって生々しい実感を伴って捉えられている。大学在籍中ながら多くの公募展、企画展、個展等で発表している。主な賞歴として、2020年「FACE2021」(SOMPO美術館, 東京)入選、2021年「シェル美術賞2021」(国立新美術館, 東京) ユアサエボシ審査員賞、2022年「出光アートアワード2022」(国立新美術館, 東京) 学生特別賞、2023年「上野の森美術館大賞」入選、2023年「GEISAI #22&classic」タカノ綾賞などがある。 CV: https://miokamatsuura.jimdofree.com/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #松浦美桜香 #MatsuuraMioka #具象絵画 #figurativepainting #人形 #doll

Artist: Louise Bourgeois Title: untitled Year: 1968 Medium: watercolor on paper Dimensions: work size: 18.1 x 29.5 cm (7 1/8 x 11 3/8 in.) frame size: 39.4 x 48.9 cm (15 1/2 x 19 1/4 in.) Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2023 @tomiokoyamagallery Collection #562KANKURO UESHIMA COLLECTION While widely celebrated as a sculptor, Bourgeois also created numerous paintings since the beginning of her career. Her watercolor drawings explore various motifs such as plants, landscapes, and figures, which can be considered to be the origins of her subsequent sculpture pieces. The pervasive presence of red within her works carries an especially powerful and intense significance for Bourgeois. To her, red represents negative emotions, embodying elements such as blood, flesh, violence, and pain. This work is thought to depict a seascape. The colossal white waves undulate violently toward the red sky. It is as if Bourgeois’ heightened emotions are transformed into waves, moving toward the viewer as they paint the sky red. Within Bourgeois’ works, the human body is portrayed as merging with natural elements, taking on a sense of symbolism in the way it is depicted. While Bourgeois does not seek to glorify the pain and suffering that is embedded in her own body and mind, it can be said that within her works, her trauma is liberated from the detested human form. Breasts take on the form of rounded mountain ranges, and hair extends and entwines like vines. Although such direct representations do not appear in this particular piece, it should be noted that the white blank space seen at the bottom center of the canvas strongly resembles the silhouette of a woman giving birth, a motif frequently depicted in Bourgeois’ works. From the vivid red sky and tumultuous swirling waves, both rendered in somewhat tender forms, viewers might envision the intertwining of pain with the joy of birth. Artist Profile https://is.gd/s1LSo0 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #LouiseBourgeois #watercolor #drawing #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: さわひらき / SAWA Hiraki @sawaraki Title: /home, /home (absence) Year: 2021 Medium: single channel HD video with stereo sound, each Running time: 9 min. 24 sec. Edition: /home: #5/8 + 2A.P, /home (absence): #1/4 + 1A.P Acquired from Ota Fine Arts, 2023 @otafinearts Collection #469KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 「/home」と「/home (absence)」という対となる二つの映像作品は、あるいは表裏の内容を表している。この映像に映し出されている室内は作家がかつて育った家の室内であり、2017年に両親の転居に伴って空になった状態を撮影したものが使われている。ここでの家、とは帰るべき場所や家族という繋がりの象徴を意味している。長らく英国を拠点に活動を続けてきたさわにとって、国籍としての日本、帰属としての家族、それらの拠り所になっていたものの一つが故郷の家であっただろう。「/」には記号としてさまざまな意味があるが、「/home」と書く場合それはLinuxのプログラムではホームディレクトリを意味する。ユーザーはシステムにログインする度に必ずこの場所に配置される。これは、さわにとって家というものが何かを示唆している。そこに再び戻ることが無意識のレベルまで自らに染み込んで(プログラムされて)いるものとしての家。さわが経験した家の喪失とは根源を揺るがすことだ。家具が取り払われ誰もいなくなった室内には、かつての家庭の様子を窺わせる傷や汚れなどの痕跡と、窓から差し込む光と影があるばかりだ。それらを背景として去来する無数の飛行機はそこで繰り返される旅立ちと帰還の双方を可視化している。一方で、「/home (absence)」では飛行機の姿はなく、ただ音だけが通り過ぎていく。地上からはるか上空を見上げると、既にそこにはいない機影を追いかけて音は遅れて聞こえてくるように。「home」とは建物ではなく営みのことだ。この二つの映像作品は、かつてその家はそこへ帰るべき人のためにあったのだ、という過去に向かって通り過ぎていく事実についてを思わせる。それは家という営みに関する痕跡と残響の映像であるだろう。 Artist Profile さわひらき / SAWA Hiraki 1977年、石川県生まれ。1997年イースト・ロンドン大学入学準備コースを経て、2000年イースト・ロンドン大学にて美術学士課程を修了し、2003年にロンドン大学スレード校美術学校彫刻科修士課程を修了。室内を小さな飛行機が行き交う初期の代表作「dwelling」など、現実空間を撮影した映像の中に非現実的な現象を呼び込む。近年では、映像と空間が相互に干渉するインスタレーションとしての表現にも取り組む。主な個展に、2021年Center for Maine Contemporary Art(US)、2018年KAAT(神奈川芸術劇場)、2014年東京オペラシティアートギャラリー、2013年Dundee Contemporary Arts(UK)などがある。また、2019年恵比寿映像際(東京都写真美術館)、2016年「六本木クロッシング」(森美術館)、2012年「第12回リヨン・ビエンナーレ」、2011年「成都ビエンナーレ」、2010年「第17回シドニービエンナーレ」など、国内外での大規模な国際展、グループ展への参加多数。ハーシュホーン美術館(ワシントンDC)、ヴィクトリア国立美術館(メルボルン)、ウォーカーアートセンター(ミネアポリス)、イスラエル美術館(イェルサレム)、東京都写真美術館、森美術館、高松市美術館など国内外の著名美術館が収蔵する。 CV: https://www.otafinearts.com/usr/library/documents/main/artists/73/hiraki-sawa_cv.pdf ©Hiraki Sawa、Courtesy of Ota Fine Arts #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #さわひらき #SawaHiraki #映像 #video #インスタレーション #installation

UESHIMA MUSEUM、2024年6月渋谷に開館 ～現代アートで未来とつながる新たな視点～ 2024年6月、UESHIMA MUSEUMが、多様な文化の交差点として発展を続ける街、東京・渋谷にオープンします。 当美術館は、「同時代性」をテーマに国内外の幅広いアーティストの現代アート作品のコレクションを行うUESHIMA COLLECTIONの650点を超える作品の中から、様々なテーマに沿って選び抜いた作品を、一般に公開するものです。 また、渋谷教育学園内ブリティッシュ・スクール・イン・東京の跡地に誕生する当館は、作品の展示のみならず、教育・文化の振興の場として、次世代のアーティスト、キュレーター、批評家の育成に向けた様々な機会を提供します。 **UESHIMA MUSEUMについて** UESHIMA MUSEUMは、UESHIMA COLLECTIONのオーナーである植島幹九郎の出身母校でもあり、「自調自考」を基本目標に国際的な視野や高い倫理観を重視した教育を行う事で高い評価を受けている、渋谷教育学園の敷地内に位置します。また、当美術館の建物は、1988年に設立され、翌年9月に当時の英国首相であった故マーガレット・サッチャー氏同席のもと開校式の行われたブリティッシュ・スクール・イン・東京が2023年8月まで利用していた建物を「渋谷教育学園 植島タワー」としてリノベーションの上、開館致します。 住所：東京都渋谷区渋谷一丁目２１番１８号　 渋谷教育学園 植島タワー（7フロア、合計1400㎡） HP：https://ueshima-museum.com/ 館長：植島幹九郎 アドバイザー：神谷幸江、山峰潤也 **UESHIMA MUSEUMの理念＝ビジョン** 「同時代性」について、美術を通じて考える場になる。 **UESHIMA MUSEUMの設立目的＝ミッション** 領域を自在に横断し、多様で、パーソナルで、社会的でもある美術表現は、人々の想像を超える多くの可能性を生み出してきました。美術を考えることは、私たちの過去、現在、そして未来を考えることでもあります。美術を介して、真に自由な想像力と、独創的な発想力を培うこと、アーティストが彼らの作品を通じて投げかける視点や課題を次世代へ伝えていくことは、美術作品を収集していくことの意義であり、使命であると考えます。 若い作家への支援機会の創出、教育機関との連携なども含めた幅広い活動によって、アートシーンの活性化に寄与し、社会と関わりながら生きる「同時代性」を当美術館は目指します。 **UESHIMA COLLECTIONについて** @ueshima_collection UESHIMA COLLECTIONは、事業家・投資家として多彩な顔を持つ植島幹九郎が現代美術コレクションとして2022年2月に設立し、本格的な収集活動を開始しました。 常に「同時代性」に対して俊敏に反応し、少し先の未来をいち早く具象化し、より良い社会に向けて積極的に還元していくという過程は、ビジネスにもアートにも普遍であるという考え方に基づき、当コレクションでは、主に「同時代性」を強く感じさせる作家、先進的な創造活動を行う若手作家等にフォーカスしたコレクション形成を進めています。 **お問い合わせ先** [email protected] （美術館のオープンに関するさらなる情報やメディア関連のお問い合わせについては、上記の連絡先までお気軽にお問い合わせください。なお、開館展に関する詳細は、改めて5月頃にプレスリリースにて発表する事を予定しております。） **植島幹九郎について** UESHIMA COLLECTION創設者。1979年千葉県生まれ。1998年渋谷教育学園幕張高等学校卒業、東京大学理科一類入学。東京大学工学部在学中に株式会社ドリームキャリアを起業し、現在では事業家・投資家として多角的にビジネスを展開する傍ら、国内外のオークションハウスやギャラリーを渉猟。国内外一流作家から国内若手作家に至るまで幅広く、現代アート作品のコレクションを続けています。 **美術館のウェブサイト** https://ueshima-museum.com/ （入館予約開始は5月中旬を予定しております。） #植島美術館 #植島コレクション #ueshimamuseum #ueshimacollection

Artist: 松浦美桜香 / MATSUURA Mioka @______nnnn5 Title: Untitled Year: 2023 Medium: ceramic, glaze, safety pin, accessories Dimensions: 43 x 24 x 25.5 cm (21.5 x 12 x 12 3/4 in.) Acquired from Changting Gallery, 2023 @changting_gallery Collection #621KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 陶器の彫刻作品。青灰色がかった釉薬で着彩されたウサギのような長い耳を持つ奇妙な動物を模っている。まるで人のように平面的な顔に小さな胴が続き、極端に太く大きな足がそれを支えている。足は四本ではなく三本で、唯一の後ろ足は一際大きい。小さな口を窄めるように開けており、か細い声を発しているように見える。両の耳先にはそれぞれ針穴が開いており、そこには安全ピンと鎖で繋がれたチャームがぶら下がっている。いかにも現実には存在していないであろう奇妙な造形であり、あまりに人間的な表情がさらにそれを非現実的なものに見せている。見ようによってはウサギの着ぐるみに入った何か別の生き物のようでもある。仮にそうであるとしたら、その外皮の内側はどうなっているのだろうかとやや不穏な好奇心がくすぐられる。 Artist Profile 松浦美桜香 / MATSUURA Mioka 2001年、東京都生まれ。2020年多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻入学(在籍中)。油彩画、木炭画、陶器やファブリックによる立体造形など作品の形態は多様。絵画では記憶にある他者の姿や、自作のぬいぐるみをモチーフとして描いており、歪んだ造形や姿勢が木炭や油彩によって生々しい実感を伴って捉えられている。大学在籍中ながら多くの公募展、企画展、個展等で発表している。主な賞歴として、2020年「FACE2021」(SOMPO美術館, 東京)入選、2021年「シェル美術賞2021」(国立新美術館, 東京) ユアサエボシ審査員賞、2022年「出光アートアワード2022」(国立新美術館, 東京) 学生特別賞、2023年「上野の森美術館大賞」入選、2023年「GEISAI #22&classic」タカノ綾賞などがある。 CV: https://miokamatsuura.jimdofree.com/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #松浦美桜香 #MatsuuraMioka #彫刻 #sculpture #陶器 #ceramic

藝術家: 朱利安・奧培 題目: 舞蹈3人像1 年份: 2022 介體: LED屏幕連續播放有聲電腦動畫 尺寸: 100 x 50 x 8厘米 (39 3/8 x 19 3/4 x 3 1/8吋) 系列: 共4版本中的第1版+ 1藝術家自留版 2022年從久保田真帆畫廊購入 @mahokubotagallery Collection #457KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 5F 奧培一直透過動畫將運動元素融入在他的作品中。他以簡化的線條話肖像著稱，描繪了眨眼的主題，以及捕捉人們流暢走動的 "行走" 系列。奧培的作品中最值得關注是，他如何將簡單的線條發揮到極致。他準確捕捉並簡化人物特徵，仔細控制線條的長度和角度、點的位置和大小以及它們之間的相互關係，再現人物極其複雜的面部表情和動作。簡化形式也是一個抽象的過程。雖然抽象的本質導致人物特徵消失，但奧培卻善於捕捉消失前的瞬間。在這幅作品中，舞蹈人物被高度簡化，頭部呈圓形，身體輪廓簡單。乍一看，這些動作顯得機械化而缺乏個性。然而，《舞蹈 3》是由四件作品組成的一個系列，這作品對比其他三件編舞相同的不一樣，顯現出舞者的 "個性" 。裙襬隨着身體輕盈跳動而搖曳，上下半身的扭動，肩部、肘部和腕部緩緩地傳遞力量—這些被捕捉到的細節都讓人以爲是真人在跳舞。動畫是將一系列動作分割成幀，並按順序排列起來製成影片。雖然人類眼睛只能將其感知爲一個序列，但觀衆應該記住，這件作品是奧培對每一幀都追求精確線條和表情下累積的產物，而每秒必須有數十幀。 Artist Profile 朱利安・奧培 1958年於倫敦出生。奧培以其圓點眼睛和線條輪廓組成的肖像畫聞名。雖然西方繪畫通常是彩色繪畫，但在古希臘和埃及風格中，清晰輪廓的繪畫是相當普遍的。文藝復興時期的波提且利以線描聞名，而後印象派中高更的黑色輪廓被稱爲分隔主義。奧培同時也是著名的浮世繪收藏家，他聲稱從浮世繪中獲得了畫輪廓的靈感。他大膽地在繪畫作品中運用了線條和圓點元素，這與達文西時期後成爲學院派主流的陰影（彩色繪畫）方法大為不同。 CV: https://www.mahokubota.com/ja/artists/julian-opie/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #JulianOpie #映像 #video #film #computeranimation #dance #melbourneshuffle #shuffle #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代美術 #現代藝術 #朱利安奧培 #舞蹈3人像1 #Dance3figure1

藝術家: 岡﨑乾二郎 題目: Encontro das águas / Scooping water from a stream 年份: 2020 介體: 壓克力顏料, 畫布, 裱框 尺寸: 18.2 x 24.9厘米(7 1/8 x 9 3/4吋) 2022年從Blum & Poe購入 @blumandpoe Collection #458KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 5F "零縮略圖" 系列被認爲是岡崎的代表作之一。每幅作品都畫在0 號畫布上，這是最小的標準尺寸。這系列的另一特色是整齊地裝在四邊有缺口的木框內。作品的靈感來自於歷史繪畫相關的各種情節。同樣有趣的是人們如何根據標題發揮想象力，以自己的方式詮釋藝術品。這標題以葡萄牙語 "Encontro das águas" 開首，意思爲 "水之匯"。它指的是巴西著名的河流交匯處，有兩股截然不同的黑色和棕色溪流，在同一條河流中併行一段時間的奇觀。標題的後半部分可能取自法國巴洛克時期的著名畫家尼古拉・普桑的《男子溪邊舀水的風景》（Landscape with a Man scooping water from a Stream）。在這幅畫中，一位白衣少年和一位藍衣老人分別站在小溪兩邊。少年伸出有力的雙臂舀水，而老人則向前伸展雙腿，似乎有些疲憊地凝視着水面。通過將一老一少的形象與巴西互不相交的河流進行對比，值得思考岡崎在這小幅作品中究竟想以抽象表達什麼。 Artist Profile 岡﨑乾二郎 1955 年出生於日本東京，岡崎是一位藝術家和評論家。1977 年從多摩美術大學雕塑系退學後，他參加了當代藝術基礎研修班（B-Seminar）直至 1979 年，後來更擔任該研修班的講師。1986 年至 1987 年間，他以亞洲文化協會的獎學金前往美國，並在 1990 年應邀於德州三一大學藝術和藝術史系任教。隨後，他在 1994 年獲得梅賽德斯-平治公司的獎學金前往法國，並在 1999 年應赴加拿大班夫藝術與創意中心（Banff Centre for Arts and Creativity）。岡崎還受邀參與巴黎雙年展（2002 年）；於Sezon現代美術館舉辦了個展（2002 年）；獲得史密森尼藝術家研究獎學金（2014 年）；並於豐田市美術館舉辦了個展（2019 - 2020 年）。岡崎曾擔任 2002 年第八屆威尼斯國際建築雙年展日本館館長。他是著名的藝術教育家，曾在近畿大學和東京大學任教，目前是武藏野美術大學的客座教授。作爲一名藝術家，岡崎的創作範圍非常廣泛，可以說涵蓋了從建築及設計到繪畫、雕塑和影片等所有能被視爲藝術作品的形式。他還是一位非常活躍的評論家，其著作包括《文藝復興： 經驗的條件》、《抽象的力量（Abstract Art as Impact）》和 《繪畫的元素（TOPICA PICTUS）》。 CV: https://kenjirookazaki.com/jpn/profile #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #岡﨑乾二郎 #OkazakiKenjiro #abstractpainting #highcontext #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #Scoopingwaterfromastream #Encontrodaságuas

藝術家: 翠西・艾敏 @traceyeminstudio 題目: It’s what I’d like to be 年份: 1999 介體: 藍色霓虹燈 尺寸: 176 x 213 厘米 (69 1/4 x 83 7/8 吋) 2022年從富藝斯購入 @phillipsauction Collection #450KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 艾敏的作品經常被評述為「懺悔」。這是因為艾敏從早期便透過藝術表現來展示她一貫且強烈的自我表達。從此觀點來看，本作大概是艾敏較為溫和的作品之一。在柔和的藍色霓虹燈光下所呈現的，是一隻可愛的小鹿和上方一句文字「這就是我想成為的（It’s what I’d like to be）」。丹・弗拉文(Dan Flavin)和約瑟夫・科蘇斯(Joseph Kosuth)等最早將霓虹燈帶入藝術表現的藝術家，利用工業美學和極簡功能性， 而艾敏則將霓虹燈藝術的形象重新粉刷成一種極富情感的表達。若嘗試以艾敏自身的台詞重讀這段文字，不禁讓人想像到不同的細微差別。小鹿該是可愛的代表，但文字卻展示出其本身並不具備這種特質。1999 年，當時艾敏36 歲，在特納獎頒獎典禮上喝醉並引起軒然大波，那是她仍是一位史無前例的破格藝術家，不知她內心是否真的渴望成為一隻純真的小鹿呢？ Artist Profile 翠西・艾敏 1963 年出生於英國倫敦，1986 年於梅德斯通藝術學院以版畫及時裝專業畢業，並在倫敦大學學習哲學的同時，於1989 年在皇家藝術學院(倫敦)獲得其繪畫碩士學位。作為YBA（年輕英國藝術家）之一，她以引發轟動、自我指涉的作品聞名，並以繪畫、雕塑、攝影、錄像和霓虹燈等風格發表作品。1997 年，收藏家兼畫廊經營者的查爾斯·薩奇(Charles Saatchi)舉辦了一個年輕藝術家的收藏展《聳動》(Sensation)，艾敏在其展出了《每個和我睡過的人1963-1995》，該作品詳細描繪了自己的床上私生活。2007 年，艾敏作為英國館的代表參加了第 57 屆威尼斯雙年展。1999 年，她憑借《我的床》(展示了她數日間在床上度過的所有痕跡)入圍特納獎候選名單。而在現今藝術中，藝術家暴露個人主觀也已被認為是一種作為個人敘述的創造性，她被視為這種前所未有的表達方式的先驅者。她更是英國皇家藝術學院歷史上的第一位女教授。 CV: https://white-cube.files.svdcdn.com/production/uploads/CVs/Tracey-Emin/Tracey-Emin-CV-2024-updated-Dec-2023.pdf?dm=1705493073 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #TraceyEmin #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #翠西艾敏 #ItswhatIdliketobe

藝術家: 名和晃平 @nawa_kohei 題目: PixCell-Sharpe's grysbok沙氏石羚 年份: 2023 介體: 複合媒材 尺寸: 64.8 x 62.2 x 20.8厘米 (25 1/4 x 24 1/2 x 8 1/8吋) 2023年從洗澡堂畫廊購入 @scaithebathhouse Collection #613KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya 這件作品出自名和最具代表性的 "PixCell" 系列。 它獨特的特徵是從透明珠子裏散發出艷麗的光芒，由一種似乎從綠色變爲紫色的塗層創造，只有在少數名爲 "極光(Aurora)" 的 "PixCell" 作品中能看見。這作品所使用的標本是非洲東南部的一種小型羚羊。 它的毛最初呈紅褐色，中間夾雜着凌亂的白色條紋。 這種動物的特點是身型小但強壯，大耳朵間有兩隻短圓錐角。 "PixCell" 雕塑覆蓋着直徑不一的珠子。 這些珠子不同的折射率以其尺寸決定，扭曲了封閉物件的形狀。 珠子起了透明屏障的作用，扭曲視覺並拒絕了觸摸互動。 對於許多日本人來說較不熟悉沙氏石羚的物理特徵，加上珠子和特殊塗漆，變得更難辨認。對於瞭解動物的人來說，正是因爲熟悉牠的正常狀態，可能對轉變後的形態更為陌生。 藝術品作爲一種媒介，喚起對禁止觸摸和直視的存在一種敬畏或崇敬感。 Artist Profile 名和晃平 名和晃平1975年出生於大阪。名和成立了Sandwich Inc., 是他個人的藝術生產基地，也是一個他多項範疇活動的創意平台。名和的代表作品之一是PixCell系列，這一詞源自Pixel（像素）和Cell（細胞）。PixCell系列以用無數不同大小的珠子覆蓋動物標本等各種物體的創造形式而聞名。雕塑，正如 "雕塑 "一詞所暗示的那樣，可大致分為 ”將東西雕刻成形狀的行為” 和 ”利用其可塑性將其扭曲的技巧”。自杜象（Marcel Duchamp）的現成物作品（“Readymades”）以來，當代藝術中的雕塑已經在某種程度上超越了這一派別，但名和的PixCell系列作為近代雕塑藝術中可被視為“非接觸類雕塑”。名和之所以備受稱讚，是因為他以一種極其現代的方式證明了通過扭曲視覺感知或借助技術，雕塑作品可以在不修改任何基礎材料（標本等）的情況下被創造出來。這種不涉及與材料直接接觸的創造方式，是與名和其它系列作品的一個共同點。考慮到雕塑原本是一種基於與石頭、木材和金屬接觸的藝術形式，名和試圖去質疑所謂的“當代雕塑”，同時動搖此藝術形式的根基。除了雕塑外，他還活躍在繪畫、攝影、建築設計、舞台指導和產品設計等領域。名和最近主要的藝術活動包括：建築藝術藝術亭“洸庭”（”Kohtei”），與比利時舞蹈家Damien Jalet (2016~2021)合作的表演藝術，以及在羅浮宮金字塔內的“王座”（“Throne”）雕塑特別展（2018）。名和同時也在京都藝術大學美術工藝科內擔任教授。 CV: http://kohei-nawa.net/biography?ja #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #名和晃平 #NawaKohei #彫刻 #sculpture #pixcell #beads #contemporaryartcollector #NawaKoheiPixCell #現代美術 #現代藝術 #動物標本 #雕塑 #Sharpesgrysbok

Artist: 平子雄一 / HIRAKO Yuichi @yuichihirako Title: Seed Leaf 01 Year: 2022 Medium: Mixed Media Dimensions: 50 x 23 x 16 cm (19 5/8 x 9 x 6 1/4 in.) Edition: No. 18 of 30 Acquired from KOTARO NUKAGA, 2023 @kotaro_nukaga Collection #543KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 本作は、2022年にH BEAUTY＆YOUTH(東京)とのコラボレーションで開催された個展「NOT TOO BAD」において150体からなるインスタレーションとして発表され、そのうちの30体のみが限定販売されたもの。透明の「彼」の体の中は空洞になっており、そこにはゴールドに塗られた廃棄木材のチップや海洋プラスチックが封入されている。平子は本作の制作のために自らこれらの廃棄物を拾い集めたという。人間の社会も含めて自然というものに目を向けている平子にとって、海洋プラスチックなどの問題は発展を志向する人類の歩みの結果であると看做して、決して全否定する立場には立っていない。結果的に起きた問題について悲観することと、改善へ向けて考えて実行していくことは同じではない。自然に対して抗うことで今日までの発展を果たしてきたことに対してポジティブに受け止めながらも、それが引き起こしてしまった問題に対しても目を瞑ることなく向き合うことこそが我々が今なすべきことだ。過剰に悲観してみせたところで前身はないのだとでも言うように、平子は集めた廃棄物をまるでキラキラとした宝物のように見せている。いわば反語的批判なのである。 Artist Profile 平子雄一 / HIRAKO Yuichi 1982年岡山県生まれ。2006年Wimbledon college of Arts(UK)にて学位取得。自身が幼少期育った地域が手付かずの「自然」に囲まれていた記憶・体験と、都市部の生活では公園や植樹された人為的な環境をも「自然」であると人々が認識していることとの差異に感じた違和感から出発し、自然と人の関係性を考察する作品を制作している。観葉植物、ペット、切花を室内に生けるための花器など、人の生活の中では自然を擬似的に享受するための文化がさまざまに生み出されてきた。平子の作品には、それらが時折批判的な眼差しで、時には慈しむように描かれる。平子自身の投影でもある植物の頭部をもった人物が頻繁に登場するが、彼の佇まいにもどこか自然と人との軋轢に惑うような様子が想像される。 2009年「シェル美術賞」入選、2010年「トーキョーワンダーウォール2010」トーキョーワンダーウォール賞受賞、2013年VOCA展奨励賞受賞(上野の森美術館)。個展「project N71 平子雄一」(東京オペラシティアートギャラリー, 2018)、「Leftover」(第一生命ギャラリー, 2018)など国内外の展示多数。LISSER ART MUSEUM(The VandenBroek Foundation, オランダ)、Akzonobel Art Foundation(オランダ)、第一生命保険株式会社(東京)などが収蔵する。 CV: https://kotaronukaga.com/artist/yuichi-hirako/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #平子雄一 #HirakoYuichi #彫刻 #sculpture #ソフビ #softvinyl #海洋プラスチック #oceanplastics

藝術家: 卡塔琳娜・格羅斯 @katharina_grosse 題目: 無題 年份: 1995 介體: 油畫顏料, 鋁 尺寸: 50.2 x 33 厘米 (19 3/4 x 13 吋) 2022年從佳士得購入 @christiesinc Collection #294KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 於一塊薄鋁板上大膽地以紅綠兩色繪畫的作品。對于直至1990年仍在美術大學學習的格羅斯而言，其90年代的作品可說是她職業生涯早期的淺作。儘管如今她以噴漆的色彩所製作的大型裝置和畫作而聞名，但在開始創作這些作品之前，許多於2000年左右的早期作品都如本作般以單純的色彩表面構成為基礎。即使觀看當時類近的例子，其色彩表面亦非均勻塗畫，而是故意留下了過多的強烈刷痕。我們能感受到比起表面的色彩，格羅斯似乎對色彩如何附著於媒介上，以及如何相應地呈現更感興趣。而本作被繪製於鋁板上或非巧合。在不吸水且比畫布更光滑的鋁板上作畫，能夠令筆刷留下的痕跡更為明顯。對格羅斯來說，不論早期或現在，色彩從來都不是一種光學遊戲或視覺享受的對象，而是作為一種伴隨着堅固物理性的莊嚴所存在。 Artist Profile 卡塔琳娜・格羅斯 1961年出生於德國弗賴堡。格羅斯於明斯特藝術學院畢業後，於杜塞爾多夫藝術學院師從戈特哈德・格勞伯納，並在1990年獲得大師榮譽學位。自90年代末開始，她一直使用工業噴槍創作出僅由棱鏡色彩組成的作品，空間和色彩和諧統一。格羅斯在2015年第56屆威尼斯雙年展上展出的大型裝置作品獲得了很高的評價。在她的職業生涯中，她在世界各地的美術館和藝術項目中展示了打破傳統 "繪畫" 概念的大型裝置和室外作品。她在2019年於波士頓美術館（美國）舉辦的《壁畫: 傑克遜・波洛克｜卡塔琳娜・格羅斯》備受關注，該項目將她與抽象表現主義大師共同被評價爲當代繪畫表達的先驅。格羅斯表示："任何東西都可以成爲一幅畫"，並且"顏色對我來說非常重要，因爲它能直接喚起人們的共鳴"，她繼續製作和展示看似是巨人留下的大型作品，同時繼續於畫布和紙張上表達自己的作品。格羅斯目前於柏林（德國）和新西蘭生活及工作。 #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #KatharinaGrosse #abstractpainting #colorfield #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #卡塔琳娜格羅斯

Artist: Dan Colen @hellhillel Title: Mother (Wintertown) Year: 2023 Medium: oil on canvas Dimensions: 69.8 x 117.8 cm (27 1/2 x 46 3/8 in.) Acquired from Gagosian, 2023 @gagosian Collection #608KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Colen has been working on the “Mother” series since 2008, primarily featuring works inspired by the background art of the movie “Bambi.” In his previous works, he has created many paintings using Disney movies as reference such as “Pinocchio” in the “Candle Painting” series and “Fantasia” in the “Miracles” series. By referencing the “background art” from animated films, Colen inherits the narrative quality of these films without the characters that form the core of the stories. In essence, he aims to use these images taken from existing animations as symbols in a pictorial sense. This work depicts a quiet residential neighborhood covered in snow. Light can be seen in the windows of the houses, but there are no human shadows. The composition of the painting is designed to draw all eyes to the single house in the center. This scenery would be recognized immediately by anyone familiar with it. It is the opening scene of the animated movie “Lady and the Tramp” which is also famous in Japan. In the movie, the imagery zooms in gradually on the house in the center with a voice singing for world peace. Near the warm window, a Christmas tree is decorated inside the house. Eventually, a gift with a ribbon that is placed under the tree is opened, revealing a dog inside as one of the main characters, marking the beginning of a joyful tale. This scene should have depicted some people outside the house, but Colen intentionally erased them, seemingly to emphasize the sense of loneliness. The title of this work is “Mother,” the movie tells the story of two dogs discovering their love for each other and forming a family. The single house depicted in the painting symbolizes something beyond loneliness, serving as a contemporary narrative picture. Artist Profile https://is.gd/lka2tK #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #DanColen #figurativepainting #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: John Madu @johnmadu_art Title: Red Veil(Not a Time to Dance) Year: 2020 Medium: acrylic on canvas Dimensions: 150.2 x 147.3 cm (59 1/8 x 58 in.) Acquired from Phillips, 2023 @phillipsauction Collection #581KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando マティスの「ダンス(II)」(1910年制作、エルミタージュ美術館蔵)の複製版画が、鮮やかなピンクの壁に掛けられている。木の手すりに黄色い踏み板の階段を登るのは赤いヴェールが印象的な一人の女性だ。彼女が上る階段の角度に、マティスの「ダンス(II)」は平行になるように傾いている。タイトルを読むと「Not a Time to Dance」(踊っている場合ではない)との副題が付けられている。傾いだマティスと深刻な眼差しの女性の表情、それらは確かに何かに抑圧された状況を示唆しているようにも思われる。マドゥの絵画は時折、美術史上の重要な作品などからエッセンスを拾い上げて作品に潜ませることで、作家が現在も活動の拠点とするナイジェリアの現代的な諸事情に関するメタファーとして機能させようとしている。マティスのこの名画はロシアの著名蒐集家であったチューシキンのために描かれ、「音楽」という作品と並んで展示されていたものだ。ウィリアム・ブレイクの類似するモチーフとの関連性も指摘されており、ブレイクの絵画ではしっかりと繋がれていた左手前二人の手は、マティスの絵ではわずかに離して描かれている。マドゥがこの象徴的なモチーフの連続を意識しないことはなかっただろう。この絵には、一人階段を上る彼女を踊りに誘う手は描かれていない。 Artist Profile John Madu 1983年、ラゴス(NR)生まれ。美術の専門教育は受けておらず、独学でキャリアをスタートさせた。コラージュ、スプレー・ペイントなど自由で幅広い技法を駆使し、美術史、アフリカの大衆文化、個人的経験などを元に描かれる強い具象的絵画には、象徴的な図像が織り交ぜられている。DIESEL(2016)やBombay Sapphire(2018)とコラボレートしている。2015年Didi Museum(Lagos)、2016年Terra Kulture(Lagos)、2017年DIESEL Flagship Store(Lagos)、2018年Bombay Sapphire(Lagos)、2022年Fondazione Mudima di Milano、などでの個展がある他、各地でのギャラリー等での展覧会多数。 HP: https://www.johnmadu.art/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #JohnMadu #具象絵画 #figurativepainting #blackartist

藝術家: 今津景 @kei_imazu 題目: 藍色蝴蝶結 年份: 2008 介體: 油畫顏料, 畫布 尺寸: 162 x 131 厘米 (63 3/4 x 51 5/8 吋) 2022年從NEW AUCTION購入 @newwwauction Collection #499KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 畫作中的地面使用了讓人聯想起花田的鮮艷色彩作點綴。這些像逐漸滲透至遠景的色彩，最終在近景中變得輪廓清晰，並化為呈放射狀類似擴散的煙花和拖着尾巴的流星。在明亮得耀眼的色彩洪流中，有一棟像是廢屋的建築，看起來與該處格格不入。它嚴重扭曲，彷彿會隨時倒塌。建築物的正面和屋頂幾乎沒有任何遮擋，一般不會暴露於陽光下的內部空間照進了陽光，閃耀着金黃色的光芒。與混亂的室內空間相反，它看起來像是紀念重要之物的一座碑。在此背景下，一個繫上藍色大蝴蝶結的男孩筆直地站在那裏。他的表情讓人無法斷定他的瞇著雙眼的表情是帶着閃耀和快樂，還是因悲傷和痛苦而緊繃雙頰。由於無法看到男孩表情和藍色蝴蝶結中帶有清晰個性的元素，他看起來甚至像脫離了所有關係，獨自一人漂浮於這個世界上。這幅畫作挑起了光明與黑暗的矛盾情感。 Artist Profile 今津景 1980年出生於日本山口縣。今津於多摩美術大學完成碩士學位。她被授予2009年VOCA優秀獎及2013年的絹谷幸二獎勵獎。2017年，明尼阿波利斯藝術學院（美國）收藏了她超過4米的大型作品。2019年，今津參加了 "六本木交叉點2019：Connexions（東京森美術館）" 和 "愛知三年展2019：情的時代"。她入選了2020年弗朗索瓦・普拉特獎（法國）的決賽，並被邀請參加2022年 "第十五屆文獻展"（德國卡塞爾）的展覽。今津持續獲得國際的高度讚譽，目前在印尼萬隆生活和工作。她的作品是通過使用Photoshop©︎，編輯網上的各種圖片，形成初步的拼貼畫，然後將其轉錄到畫布上的油畫作品。她利用各種途徑取得作品中的圖片：從歷史上的傑作、博物館的插圖目錄、廣告，甚至在社交媒體上發現的私人照片，通過各種工具，如使用編輯軟件的筆觸，創造出精細的多層次構圖。近年來，今津擴大了她的興趣和關注範圍，如氣候變化和全球南方等的全球性問題。 CV: https://www.imazukei.com/ http://anomalytokyo.com/artist/kei-imazu/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #今津景 #ImazuKei #具象絵画 #figrativepainting #抽象化 #abstraction #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #藍色蝴蝶結 #BlueRibbon

Artist: Andreas Gursky Title: Bangkok IX Year: 2011 Medium: inkjet print, in artist's frame Dimensions: 307 x 221 cm (120 7/8 x 87 in.) Edition: No. 1 of 6 Acquired from Sotheby's, 2023 @sothebys Collection #609KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Gursky visited Bangkok in spring 2011 and captured the Chao Phraya River. Flowing calmly amidst the bustling metropolis, this river has been a part of Thailand’s bloodline. Unlike the beautiful Rhine River which he had previously photographed, the Chao Phraya River is also an important river transport route dotted with fuel oil and waste that fascinated Gursky so much. One’s attention would be drawn to the strong verticality of the black and white before recognizing that this is “a photograph of a river.” It is reminiscent of Barnett Newman’s “The Stations of the Cross” and “Zip.” The work regains its figurativeness upon a closer look and the drifting objects and the river surface in detail can be seen. There are no traces of people or streets of Bangkok, but only trash and the reflecting dull sky. On the large picture plane which extends beyond the viewer’s sight, the black shadows strip away the sense of distance. It appears as if a small portion of the river surface captured from a transcendental perspective has been magnified. Gursky manipulates photographs and “creates” intentional images by erasing or altering things that should be present, including this work. If Gursky is aiming for “abstraction” in this work, part of his thinking must have been to abstract a more universal “river” and its “problem” from the strong specificity of “Chao Phraya River in Bangkok”. By sublimating the uneven ugliness of pollution into universal beauty as an image, the viewer is prompted to contemplate the abstracted elements. In Gursky’s works, while the images may not always reveal the correct reality, they tell beyond the truth by overlapping reality and fiction. Artist Profile https://is.gd/C7Xe1z Courtesy of Sotheby's #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #AndreasGursky #photograph #ChaoPhraya #BecherSchule #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: Wahab Saheed @_wahabsaheed Title: untitled Year: 2022 Medium: acrylic, charcoal, chalk and oil pastel on canvas Dimensions: 181.3 x 151.1 cm (71 3/8 x 59 1/2 in.) Acquired from Phillips, 2023 @phillipsauction Collection #580KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando カラフルな風船を手に、穏やかな瞳を向けている若い男性の肖像。サヒードの親しい友人だろうか？本作は「Birthdays are Special」と題した米国での初めての個展(2022年、Bill Brady Gallery)で発表されたものだが、この個展で発表された作品は皆誕生日を祝うために風船を手にした姿で描かれている。幼少期から燃え滓の炭を片手に絵を描き、大学時代は学費を得るために地元マーケットで肖像画を描き続けたという。背景や人物の衣服は思い切りの良いフラットな色面で表現されているが、一方で人物の肌は木炭やチョークの線によって立体的な造形や陰影がおそらくは非常に素早い手つきで、しかも的確に捉えられているのが見て取れる。影の部分に時折入れられたブルーのラインが黒い肌の上に深く生じた濃い影を視覚化している。平面的で鮮やかな色彩との対比によって、モデルの表情がより生き生きとし、立体的な造形が際立って見えてくる。身近な人の心からの祝福を絵に表したいという感情は誰に否定されるものでもない。絵画を描くことに対する実直で抑えようのない衝動が表れている。 Artist Profile Wahab Saheed 1998年、ラゴス(NR)生まれ。2019年Yaba College of Technologyにおいて美術のHND(高等国家ディプロマ)を取得。サヒードはポートレートを描く。大胆な線と明瞭な色面の構成で力強く描かれたモデルの表情は、彼らの内面を雄弁に物語るように感情性豊かに描き出されている。東京、ロンドン、ロサンゼルスなどの有力ギャラリーでの個展が開催されている他、ストックホルム、マドリッドなど各地でのグループ展に取り上げられている。2023年にはMetropolitan Museum of Manilaでアフリカン・ディアスポラのアーティストを多く紹介するグループ展(フィリピンの著名コレクターであるTimothy Tan氏のコレクション作品からのキュレーション展)でも紹介された。 CV: https://nanzuka.com/ja/artists/wahab_saheed #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #WahabSaheed #具象絵画 #figurativepainting #肖像画 #portrait #blackartist

藝術家: 工藤麻紀子 @kudo_makiko 題目: Night Lights 年份: 2019 介體: 油畫顏料, 畫布 尺寸: 227.3 x 181.8厘米(89 1/2 x 71 1/2吋) 2022年從小山登美夫畫廊購入 @tomiokoyamagallery Collection #274KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 梅花大約在二月嚴寒的冬季盛開，是寒冷冬季中的一抹亮色，它們也被譽爲 "百花之魁"。它們慢慢綻放，散發芳香，宣告春天即將來臨。在工藤麻紀子的作品集“Reborn as Air” 中，她回憶道她喜歡於夜晚賞梅花。這個季節的夜晚很寒冷，刺骨的寒氣從畫作表面透出。一個淡藍色的身影走進紅白梅花樹間，頭上還莫名其妙地頂着一隻公雞。紅白梅花在冰冷的冬夜景色中微微泛着粉色的暖意。如果梅花預示早春的花朵，那麼公雞則是報曉的鳥兒。雖然人物的表情依然緊張而僵硬，但肯定懷著希望漫長的冬天和漆黑的夜晚很快結束的期盼，隨着春天的到來逐漸綻放笑容。 Artist Profile 工藤麻紀子 1978年出生於日本青森縣。2002年畢業於女子美術大學西洋畫專業。創作初期參照野獣派作風, 以強烈色彩和濃烈的筆觸來捕捉光線, 時至今天，她的作品作出了些細微的改變,更帶有印象派來表達。受到童年時期的記憶、漫畫和動漫等影響, 以及對於現代主義（繪畫）的憧憬、工藤把其內省的形象融合在其繪畫中。沒精打采的男孩和女孩、點綴的花朵、融入情景中並且有強烈存在感的動物。雖然這些零星的元素構成複雜的畫面, 但正是工藤的內省視角將它們流暢地聯繫在一起, 而這種視角並不廣為人知。屬於關西新浪潮及超級扁平之後的一代, 包括工藤在內, 生於1960至70年代的藝術家。從90年代後半到00年代, 他們發表了既有個人主義又具備時代共鳴感的作品, 被稱為微波普。評論家Matsui Midori主張將把其視為某種藝術潮流的萌芽。作為該代表畫家之一, 工藤被視為在日本當代藝術史上具有重要地位的藝術家。2022年，工藤在平塚市美術館舉辦大型個展, 由Midori Matsui策展的「（冬季花園：日本現代美術館）Winter Garden: The Exploration of the Micropop Imagination in Contemporary Japanese Art」, 並於原美術館(東京)、科隆日本文化会館(德國)、多倫多日本文化中心(加拿大)、2010年Galeri’a Arnold Belkin: Museo Universitario del Chopo、墨西哥自治大學附屬Chopo美術館(墨西哥)展示外, 在世界各地30個國家舉行44場巡迴展。亦在日本國內参與群展及國際藝博展。他的作品被洛杉磯當代美術館(美國)、(加州大學柏克萊分校(美國)) UC Berkeley Art Museum Pacific Rim Archive (US), The Modern Art Museum of Fort Worth(US), Hood Museum of Art, Dartmouth(US), The Ulster Museum(UK), 國際交流基金(東京) 等收藏。 CV: http://tomiokoyamagallery.com/artists/makiko-kudo/ #artist-cv #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #工藤麻紀子 #KudoMakiko #figurativepainting #plumblossom #rooster #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #NightLights

Artist: SHIOTA Chiharu @chiharushiota Title: Cell Year: 2018 Medium: watercolor, oil pastel, thread on paper Dimensions: 56 x 42 cm (22 x 16 1/2 in.) Acquired from Kenji Taki Gallery, 2022 @kenjitakigallery Collection #496KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando Shiota confronted death when she experienced her ovarian cancer recurrence in 2017. After undergoing a six-hour oophorectomy and enduring five months of chemotherapy, she beat the disease. The 2019 solo exhibition “The Soul Trembles,” which marked the beginning of the international reputation Shiota now enjoys, was held with the evident spirit of the artist who has overcome her illness. As the name of the series “Cell” suggests, which includes this work, is a group of works that takes cells as its subject matter. Cancer is a cell tissue that has increased abnormally due to a failure of the apoptosis (cell death) process. As the human body is composed of cells, losing their normalcy can lead directly to death. While Shiota tackles the issues of life and death in her own work, her battle with illness brings her into contact with a terrifying pathology that governs both. In this work, a ballooning red cellular structure seems to be secured by a single thread, barely stabilizing it. Cells cannot be controlled at their own will, and once they have formed a lesion, they must ultimately be combated with external interventions in the form of medical treatment. The mind must fight through the pain to save the body. Shiota endured enough pain to pull her mind and body apart, and “Cell” was created to reclaim her human dignity, her ego, and her own body. Artist Profile https://is.gd/d6rgKD #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #ShiotaChiharu #drawing #thread #cell #contemporaryartist #contemporaryartcollector

Artist: 佐藤翠 / SATO Midori @midori_sato_ Title: Rose Garden Closet Year: 2022 Medium: acrylic and oil on canvas(two-panel folding screen) Dimensions: 179.9 x 173.6 cm (70 3/4 x 68 3/8 in.) Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2023 @tomiokoyamagallery Collection #585KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 二曲一隻の屏風絵としての形式になっているが、屏風の両面に絵が描かれている。一方には佐藤の代名詞的モチーフでもあるドレスのかかったクローゼット、もう一方は薔薇の花が咲き乱れる庭園の風景になっているクローゼットの面にも、アイリス、クレマチス、薔薇、パンジー、スミレ、ヤマボウシ、たくさんの花がドレスの周りを鮮やかに彩っている。佐藤の絵画には、衣服や靴、カーペットなど、生活や人生を華やかに飾るものが愛おしむように描かれている。花は、佐藤にとって心が躍る彩りや華やぎの象徴としてここでは描かれているだろう。薔薇の庭園は、色濃く茂った緑の間を通り抜ける初夏の風に乗って今にも花の香りが漂ってきそうなほど、生命感に溢れている。クローゼットの奥にも薔薇のアーチの向こう側にも、何かもっと素晴らしいものが隠されているのではないかと期待させられる。屏風はあちらとこちらを分けるものとして機能する。本作では屏風を視線を遮るものではなく内へ招き入れるものとしている。誘われるままに近づいて見れば、想像以上に激しく豊かな絵筆の運びや、思いがけない色の重なりに驚かされ、期待は裏切られることはないだろう。 Artist Profile 佐藤翠 / SATO Midori 1984年、愛知県生まれ。2006年に名古屋芸術大学在学中に交換留学生としてディジョン国立高等芸術学校で学び、2008年名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画コース卒業。2010年に東京造形大学大学院造形研究科造形専攻美術研究領域修士課程を修了。花や靴、宝石、カーペットなど静物、特に衣服のかかったクローゼットの内部を描いた作品を制作し続けている。ただ対象を精緻に描くのではなく、むしろその筆致は激しく、吊るされた衣服が作り出す整然とした垂直線は抽象性すら感じられる。国内外でのギャラリー個展多数。2013年「VOCA」(上野の森美館, 東京)、2015年「絵画を抱きしめて」(資生堂ギャラリー, 東京)、2016年「あいちトリエンナーレ2016」(名古屋市および岡崎市会場)などでの展示がある。2011年および2017年にCite Internationale des Arts Paris主催レジデンスプログラム、2018年に平成29年度ポーラ美術振興財団在外研修員としてそれぞれフランスに滞在。東京都現代美術館、大原美術館(岡山)などの美術館のほか、Montblanc Japan、RMKなどの企業コレクション多数。 CV: http://tomiokoyamagallery.com/artists/midori-sato/ #artist-cv #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #佐藤翠 #SatoMidori #具象絵画 #figurativepainting #屏風 #foldingscreen #クローゼット #closet

藝術家: 山田康平 @kumakuma0523 題目: 無題 年份: 2022-2023 介體: 油畫顏料, 畫布 尺寸: 100 x 80.3 厘米 (39 3/8 x 31 5/8 吋) 2023年從Biscuit Gallery購入 @biscuit_gallery Collection #576KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 3F 山田在製作初時就讓油滲透畫布之中。含有充足油分的畫布順利地吸收顏料，喚來暈染和滴落的偶發效果。有見及此，山田的筆觸亦更進一步往前推進。山田的繪畫並無選取特定的圖案主題，僅通過銳化對色彩、線描和色面等構成繪畫的基本要素來創作。本作給人的第一印象亦然。粗而直的黑色線條生動地橫貫於畫作上，將紅藍兩種對比色分成兩部分。正因這樣，僅以簡單而基本的技法，卻恰好令山田的力量和表現力得到清晰的體現。雖然人的眼睛很容易被蒙蔽，但當你仔細觀察本作時，就會逐漸發現，看似極為明顯的紅色和藍色，其實在色相、明亮度和飽和度的細微之處都經過了高度調整。流暢的明暗漸變、連接紅藍的紫色，以極為節制而高效的方式使用，在畫作上營造出一種如扭曲般的空間感。此外，黃色和綠色這些變幻無常的強調色雖然零碎，卻散發着足以決定作品個性的力量。特別是這些細小且鮮明的黃色並不是後來「被添加」的，而是有意圖地「被留下」的。若意識到這點，那看待本作的方式也會有很大的改變。重要的是要認識到，山田的作品雖然有多層顏料的重疊，但本質上並不是以加法而成的繪畫。相反，他是通過減法思維來創作，即把畫作上已有的顏色和形象塗掉或留下。山田透過添加，嘗試抹掉或得到些什麼呢？他希望觀者能以雙眼追尋當中的過程和結果。 Artist Profile 山田康平 1997年出生於大阪，2020年畢業於武藏野美術大學油畫學科的油畫專攻，2022 年在京都藝術大學完成工藝美術領域的油畫碩士學位。山田的繪畫層次分明。許多畫家通過線條和色面的堆疊最終創作出表層的作品，而山田則更看重隱藏於層次背後所含有的深度。畫作中象徵性出現的鮮黃色彩是最早被塗抹於畫布上的顏色之一，但觀者看到的只有被殘留下來的一瞥。完成後的畫作大部分是由紅色和藍色等接近原色的基本色，以及銳利卻結實的線描構成。在色域(color field)藝術家將色彩從形象的束縛中解放的半世紀後，山田所創作的抽象畫連同其物質性，證明了色彩在畫布上加以堆疊這個行為本身已構成繪畫。無論是偶然還是故意，山田的作品中塗抹和留白的微妙結合，賦予了色彩一種魔幻魅力。除了入選 2020 年 CAF 獎(由當代藝術基金會主辦)和在代官山Hillside Terrace Annex A舉辦個展外，山田還在ARTISTS’ FAIRKYOTO(2020 年、2021 年)和東京現代 (2023 年)等藝術博覽會上備受矚目。 CV: https://biscuitgallery.com/kohei-yamada/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #山田康平 #YamadaKohei #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #abstractpainting

Artist: 宮島達男 / MIYAJIMA Tatsuo @tatsuomiyajimastudio Title: Counter Fragile No.4 Year: 2004 Medium: light-emitting diode, silver-plated brass bar, Plexiglas, electric wire and IC Dimensions: 39 x 26 x 16 cm (15 3/8 x 10 1/4 x 6 1/4 in.) Acquired from Christie’s, 2023 @christiesinc Collection #541KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 1999年の第48回ヴェネチア・ビエンナーレ日本館代表作家として発表した「MEGA DEATH」において、デジタル・カウンターのシリーズはある種の到達点を見せたと言って良いだろう。人の命を無数の無機質なカウントに置き換えることで、そこに無常を表現する。「MEGA DEATH」が人間の集合であったとしたならば、その後に発表された本作を含む「Counter Fragile」は再び個人へと目を向けるような小規模なものになっている。本作はそれまでの同シリーズがソリッドな造形であった事と比べれば有機的と言って良い。雲型のプレートに立体的に巡らされたワイヤーが螺旋を描くように捻れたシルエットを作り出している。散りばめられたデジタル・カウンターは極めて小さく暗闇に明滅する赤い数字はいかにも儚く見える。「Fragile」とは、壊れやすく儚いものの意味だ。しかし、繰り返す数字の明滅は私たちの胸の鼓動のように、止まることなく確かに時を刻んでいる。「MEGA DEATH」ではある瞬間、2400ユニットものカウンター全てが「０」となる、つまり滅亡のような暗闇が訪れる。本作でも「0」という数字は表示されず、その瞬間には赤い光は消える。しかし、複数のカウンター全てが暗闇の中に消えてしまうようなことはない。一つ一つのカウンターが１から９までを表示させていくリズムとは別に、作品全体の捻れた造形に沿って「0」の暗闇が流動していく。これら二重の脈動が表されていることは、私たちが未来へと繋いでいくべき命の螺旋を想像させる。 Artist Profile 宮島達男 / MIYAJIMA Tatsuo 1957年、東京都生まれ。1986年東京藝術大学大学院美術研究科絵画専攻修了。1998年ロンドン・インスティテュートにより名誉博士授与。「それは変化し続ける」「それはあらゆるものと関係を結ぶ」「それは永遠に続く」という3つのコンセプトを掲げる。代表的な作品であるデジタル・カウンターのシリーズにおいては数字という言語以上に共通性の高い記号を美術表現そのものに応用している点を高く評価されている。淡々と数字がカウントされ続ける様子に、個人、集団、社会、あるいは人生、制度など、人間にまつわる様々な事象への思考を促す。第43回ベネチア・ビエンナーレ「アペルト88」(1988年)でデジタル・カウンターの初期作によって注目を集め、のちに第48回ベネチア・ビエンナーレ(1999年)では日本館代表として参加している。1989年の「Against Nature」(サンフランシスコ近代美術館ほか米国内を巡回)、2004年第5回光州ビエンナーレ(韓国)など国際的な展覧会への参加多数、1991年名古屋市立美術館、1996年カルティエ現代美術財団(パリ)、1997年サンフランシスコ近代美術館、2005年ローマ現代美術館など国内外での美術館個展多数。東北芸術工科大学副学長(2006-2016年)、京都造形芸術大学(現・京都芸術大学)副学長(2014-2016年)を経て、両校にて客員教授として教壇に立つ。 CV: https://tatsuomiyajima.com/cv/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #宮島達男 #MiyajimaTatsuo #彫刻 #sculpture #LED #デジタルカウンター #digitalcounter

藝術家: 杉本博司 hiroshisugimotoart 題目: 海牛 年份: 1994 介體: 明膠銀鹽相紙 尺寸: 42.2 x 54.3 cm (16 5/8 x 21 3/8 in.) 系列: 共25件中的第8件 2022年從蘇富比購入 @sothebys Collection #285KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando "透視畫（Dioramas）" 系列是杉本博司早期的重要作品之一，始於他將紐約美國自然歷史博物館的展品拍攝成真實場景。這是該系列的其中一幅作品，很可能是描述丹佛自然科學博物館展出的一對海牛親子標本。雖然透視畫本身具高質素，但如果不瞭解杉本的作品，就會誤以爲這是一幅怡人的海底照片。與類似的 "劇場" 和 "海景" 系列相比，杉本採用8 x 10 英寸膠片的大畫幅相機拍攝，其特有的精確性和生動性提高了作品的分辨率。他的表達手法神奇地為死物賦予了生命，也促成了以蠟像爲主的 "肖像" 系列。《透視畫》系列使杉本成爲紐約傳奇Sonnabend 藝廊的代表。此外，紐約現代藝術博物館（MoMA）70 年代著名的攝影策展人約翰・薩考斯基也認可這系列作品，並將其納入博物館的收藏。在藝術史中，薩考斯基在推動攝影作為藝術這方面發揮了非常重要的作用；他以獨到的眼光對作品的讚許，證明了當時嶄露頭角的杉本其攝影作品因其成熟的技巧和審美觀而具有藝術價值。 Artist Profile 杉本博司 1948年出生於東京。 杉本被稱爲攝影界的概念藝術家。在他的《透視畫館》系列，裡面的標本攝影栩栩如生，並於紐約自然歷史博物館內展出。其後他連續創作了許多攝影作品，包括《海景》、《劇場》、《建築》、《陰翳禮讚》、《放電場》。 杉本還參與了一些建築設計項目，他的作品體現了自身對古代藝術、古典文學和傳統戲劇表演的深造。他於1970年搬到美國，於洛杉磯的藝術中心設計學院攻讀攝影。其後，他在1974年移居紐約，在那裏，《透視畫館》受到當時MoMA攝影部門策展人約翰·薩考斯基的高度評價，並被該博物館購入。他於2009年成立了小田原藝術基金，目的是促進和保護日本古典戲劇、古代藝術和當代藝術的文化。於2017年，經過10年的規劃和10年的建設，小田原市終於開設了江之浦測候所。它展出了杉本一系列的攝影作品和建築，旨在成爲他生涯活動和藝術哲學的頂峯。 CV: https://www.sugimotohiroshi.com/biography #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #杉本博司 #SugimotoHiroshi #写真 #photography #銀塩写真 #GelatinSilverPrint #manatee #diorama #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代美術 #現代藝術 #海牛 #Sugimoto

Artist: Dan Flavin @_danflavin_ Title: untitled(for Ad Reinhardt)1b Year: 1990 Medium: blue, yellow, pink, red and green fluorescent light Dimensions: 243.8 x 26.7 x 61 cm (96 x 10 1/2 x 4 in.) Edition: No. 1 of 5 Acquired from Phillips, 2023 @phillipsauction Collection #603KANKURO UESHIMA COLLECTION Shibuya In 1963, Flavin created “the diagonal of May 25, 1963 (to Constantin Brancusi)” as an homage to the sculptor Brancusi, who is considered to be a pioneer of minimalism, and his work “Endless Column.” Throughout 30 years of his entire art career, Flavin dedicated his works to hometown acquaintances and artists he admired, reflected in the subtitles of the works. This work is one of ten works that he created for Ad Reinhardt, an abstract painter of the same period. Reinhardt is best known for his black abstract painting series. At first glance, it appears as if they have simply been painted over with black, but in fact, they are divided by grids, and painted with overlays of intense hues of blues, reds, and greens—just enough to be noticeable. The differences in nuance of these different blacks are so subtle that they are only perceptible at length. When looking at Flavin’s work, the light from principally blue, red, and green fluorescent lamps fills the space, each color gently interfering with one another. Flavin described this kind of work with light as “situational” works, which are referred to as installations today. His site-specific works from the 1970s onwards could be considered the culmination of his theoretical approach, in which the “situation” itself becomes the work. Despite the difficulty in recreating Reinhardt’s black with the use of light, the spirituality of the work is a continuation of Flavin’s aesthetic sensibilities. Reinhardt left us with the maxim “Art as Art,” and Flavin was well aware of the artist’s pursuit of the purity of art. Black and light may have appeared to him equally revelatory of the nature of art. Artist Profile https://is.gd/4XyECB #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #DanFlavin #installation #FluorescentLight #contemporaryartist #contemporaryartcollector

藝術家: 杉本博司 hiroshisugimotoart 題目: 聯合國 年份: 1997 介體: 明膠銀鹽相紙 尺寸: 相紙: 58.5 x 47 厘米 (23 1⁄2 x 18 1⁄2 吋) 相框: 78 x 60.3 厘米 (30 3⁄4 x 23 3⁄4 吋) 系列: 共25件中的第20件 2022年從蘇富比購入 @sothebys Collection #357KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 這是杉本的《建築》系列之一。如題目所示，本作拍攝的是建於紐約的聯合國總部大樓。集合了代表戰勝國的各國建築師所組成的團隊致力於設計方案，最終由委員會主席，美國的華萊士·夏里遜折衷於法國的勒·柯比意和巴西的奧斯卡·尼邁耶兩者的設計方案，並以其框架形成了現行的建築設計。除了獨特的薄板型外觀，柯比意的設計還擬定了看起來仿佛懸浮於半空的結構，並在地面上設置其專長的底層架空柱。柯比意的設計因夏里遜對方案作出了重大改動而未能得以實現，據說這亦導致二人產生矛盾。杉本的《建築》系列故意以模糊的焦距來拍攝著名的現代主義建築。杉本說，建築物是透過與現實的妥協，以設計師最初的構想往往有所不同。雖然柯比意和尼邁耶的理想的確沒有以其完全形態實現，但他們所的思想定必仍作為一種精神寄宿於現實建築物之中。杉本敢於模糊建築物那堅牢的外殼，沉睡的建築師的理想，並以攝影的形式將其實體化。 Artist Profile 杉本博司 1948年出生於東京。 杉本被稱爲攝影界的概念藝術家。在他的《透視畫館》系列，裡面的標本攝影栩栩如生，並於紐約自然歷史博物館內展出。其後他連續創作了許多攝影作品，包括《海景》、《劇場》、《建築》、《陰翳禮讚》、《放電場》。 杉本還參與了一些建築設計項目，他的作品體現了自身對古代藝術、古典文學和傳統戲劇表演的深造。他於1970年搬到美國，於洛杉磯的藝術中心設計學院攻讀攝影。其後，他在1974年移居紐約，在那裏，《透視畫館》受到當時MoMA攝影部門策展人約翰·薩考斯基的高度評價，並被該博物館購入。他於2009年成立了小田原藝術基金，目的是促進和保護日本古典戲劇、古代藝術和當代藝術的文化。於2017年，經過10年的規劃和10年的建設，小田原市終於開設了江之浦測候所。它展出了杉本一系列的攝影作品和建築，旨在成爲他生涯活動和藝術哲學的頂峯。 CV: https://www.sugimotohiroshi.com/biography #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #杉本博司 #SugimotoHiroshi #写真 #photography #銀塩写真 #GelatinSilverPrint #HeadquartersoftheUnitedNations #建築 #contemporaryartist #contemporaryartcollector #UnitedNations #現代美術 #現代藝術 #攝影師 #透視畫館 #聯合國

Artist: 石塚源太 / ISHIZUKA Genta @genta_ishizuka Title: Taxis Groove #3 Year: 2023 Medium: Urushi lacquer, hemp cloth (Kanshitsu: dry lacquer technique) Dimensions: 43 x 36 x 31 cm (16 7/8 x 14 1/8 x 12 1/4 in.) Acquired from Kyoto City KYOCERA Museum of Art Charity Auction, 2023 @kyotocitykyoceramuseum Collection #599KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 漆は日本においては高い耐久性、強い接着性、官能的な美観を兼ね備えた稀有な塗料として縄文時代以降数千年にわたって人々の生活と共にある。特に、石塚が用いる乾漆技法は高い塑型性を有するため、天平時代の仏像制作などにも用いられた。石塚は漆の強靭かつ柔軟な素材としての性質を彫刻のメディウムとして再認識し、極めて特徴的な塗膜を形成する点にも着目している。漆は油絵具のように酸化重合反応によって硬化する。成分中の酵素は梅雨時のような多湿条件の中で反応を繰り返し内側から塗膜を形成していくのである。これを石塚は「皮膜」と呼んでいる。石塚の代表的シリーズとなっている「感触の表裏」では、店先で網に入ったミカンが売られている様子からインスピレーションを得たというが、ミカンを包む網とは、人に置き換えればそれは皮膚であるから、石塚の作り出す艶やかな曲面の内側に隠された造形の源はつまり肉であり骨であるとも言える。実際には発泡スチロールの球体などで作られた素体の上に、麻布と漆を重ねがけて固めた外殻こそが作品となるのだが、この「皮膜」とは内側に包まれたものの存在を示唆するものである。本作は「感触の表裏」から派生したと思われる「Taxis Groove」というタイトルがつけられているが、そこから連想される通り内包する造形は球状ではなく円盤状の連続である。今にも蠢き始めるのでは、とさえ見える。幾層にも重ねられ、磨かれた漆は、透けるような光沢の奥に美しい斑を見せている。そのさらに内側にある今にも皮膜を突き破らんばかりの強い運動性とは対極的な静寂がある。 Artist Profile 石塚源太 / ISHIZUKA Genta 1982年京都府生まれ。2006年、京都市立芸術大学工芸科漆工専攻を卒業し、ロイヤル・カレッジ・オブ・アート(ロンドン)へ交換留学を経験、2008年、京都市立芸術大学大学院工芸科漆工専攻を修了。漆を彫刻のメディウムとしている。特に「感触の表裏」シリーズでは、比較的自由な造形が可能である乾漆技法によって、のびやかな造形と艶やかな仕上げが抽象性の高い表現を実現している。石塚は漆が作り出す塗膜の美しさに着目し、それを「皮膜」と見做して制作コンセプトの基幹としている。彫でもなく、塑でもない、塗としての彫刻の新しいあり方を問う。2019年には、ファッションブランドのロエベによるロエベ・ファンデーション・クラフト・プライズ2019において大賞を受賞、国際的に広く作品を認知されるきっかけとなった。大英博物館、ミネアポリス美術館、ヴィクトリア＆アルバート博物館(ロンドン)、京都市美術館などが作品を所蔵する。 CV: https://www.artcourtgallery.com/artists/ishizuka/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #石塚源太 #IshizukaGenta #彫刻 #sculpture #漆 #Urushi #lacquer #乾漆技法 #DryLacquerTechnique

藝術家: 山田康平 @kumakuma0523 題目: 無題 年份: 2023 介體: 布面油畫 尺寸: 227.3 x 181.8厘米 (89 1/2 x 71 1/2吋) 2023年從Taka Ishii畫廊購入 @takaishiigallery Collection #633KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 畫布主要採用了一種難以言喻的深紅色。觀衆失去了焦點，寬大的畫布顯得更加寬闊。視線自然被引向中心的水平裂縫。山田經常先使用明亮的黃色在他的作品中，而這作品中最亮的顏色也是裂縫處的黃色。裂縫的黑色線條和色彩在無邊際中突然產生出一個空間。威廉・德庫寧曾被譽爲抽象表現主義的代表藝術家，但他的藝術生涯中從未放棄對具象的追求。在欣賞山田作品的黑色線條時，觀衆會聯想到德庫寧的線條。兩位藝術家的相似之處在於，他們的線條與表面形成張力，沒有劃分人物和地面。雖然德庫寧的作品被譏諷爲 "無家可歸的代表"，但如果他的作品有具象性，將線條及表面嵌入同一平面，並與抽象共存，從而擺脫幻覺，那山田的作品在結構上就有明顯的差別，兩者之間的對立在同一平面上形成了許多層次。 正如人們看到的圖像是以 CG 組合多層圖像並展現在最前端般，山田的繪畫表面背後也隱藏着無數層次，觀衆從裂縫感知這一點。這就是作爲繪畫存在的空間（負空間）。這種無法抹走的多重性有別於重寫羊皮書卷般的多層性，不同於擦除和覆蓋的痕跡。於當今世界，多重性成爲一種不言而喻的新錯覺，於物件上繪畫不等於抹去它，這解釋了新抽象繪畫的空間感。 Artist Profile 山田康平 1997年出生於大阪，2020年畢業於武藏野美術大學油畫學科的油畫專攻，2022 年在京都藝術大學完成工藝美術領域的油畫碩士學位。山田的繪畫層次分明。許多畫家通過線條和色面的堆疊最終創作出表層的作品，而山田則更看重隱藏於層次背後所含有的深度。畫作中象徵性出現的鮮黃色彩是最早被塗抹於畫布上的顏色之一，但觀者看到的只有被殘留下來的一瞥。完成後的畫作大部分是由紅色和藍色等接近原色的基本色，以及銳利卻結實的線描構成。在色域(color field)藝術家將色彩從形象的束縛中解放的半世紀後，山田所創作的抽象畫連同其物質性，證明了色彩在畫布上加以堆疊這個行為本身已構成繪畫。無論是偶然還是故意，山田的作品中塗抹和留白的微妙結合，賦予了色彩一種魔幻魅力。除了入選 2020 年 CAF 獎(由當代藝術基金會主辦)和在代官山Hillside Terrace Annex A舉辦個展外，山田還在ARTISTS’ FAIRKYOTO(2020 年、2021 年)和東京現代 (2023 年)等藝術博覽會上備受矚目。 CV: https://biscuitgallery.com/kohei-yamada/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #山田康平 #YamadaKohei #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術

Artist: 髙木大地 / TAKAGI Daichi Title: Wanderer Year: 2023 Medium: oil on canvas Dimensions: 100.3 x 65.3 cm (39 1/2 x 25 3/4 in.) Acquired from BLUM, 2023 @blumandpoe Collection #597KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 極めて強いマチェールが視覚を刺激する。縦に細長いキャンバスの形状に従うように、赤褐色の木立が左右に聳え、その中央に一本の道が黒い夜空へ向かってまっすぐに伸びている。先の見えない木々の裂け目には白い月が上っている。月に導かれるように道を進む一人の人物の影が細く伸びて、明るい月光が暗い森の中にも届いていることがわかる。木々の梢はもはや一つ一つの独立した枝葉を判別することができないほどに繁茂し、まるでひとつながりの大きな物体のように重厚な質量をもって人物の頭上に重くのしかかっているように見える。月の光に強く照らされた黄色から、森の奥深くへ遠ざかるほどに青く暗く沈んでいく色調の大きな変化によって、この画面の狭さはむしろその劇的な空間性を演出する一助となっているだろう。間近に作品を見ると、小さな人物はその存在を標すべく焼き付けたかのような濃い褐色で描かれている。細部に目を向けていけば、執拗に絵筆を擦り付けるような激しい筆跡の重なりがまざまざと立体的に見えてくるだろう。この寂寥とした絵画を作り出す作家の手付きは極めて強い運動性によっている。 Artist Profile 髙木大地 / TAKAGI Daichi 1982年岐阜県生まれ。2010年、多摩美術大学大学院美術研究科修士課程を修了。2018年-2019年、文化庁新進芸術家海外研修制度によりオランダ・アムステルダムで活動、現在は神奈川県を拠点としている。活動初期においては絵画における図像の形態に重きを置いたフォーマリズム的作品や、シェイプド・キャンバス作品などが見られたが、オランダでの活動以後は自身を取り巻く事象を題材としたものへと大きく変化した。表層を引っ掻いた傷のような線描や強い刷毛目を活かした色面など、絵画が素材と手業とによって物質的に構成されていることを自覚しながらも、あくまでその絵画的イリュージョンを保持した画面づくりは独自の領域に到達していると言って良い。2021年「DOMANI・明日展」国立新美術館(東京)、2014年「絵画の在りか」東京オペラシティ・アートギャラリーなど、国内外での展覧会多数。 CV: https://daichitakagi.net/CV #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #髙木大地 #TakagiDaichi #具象絵画 #figurativepainting

藝術家: 田島美加 @mikadogs 題目: 負熵 (TAE脈衝功率電容器, 黑色, 單一) 年份: 2017 介體: 棉花, 木材, 隔音毯 尺寸: 93.7 x 67厘米 (36 7/8 x 26 3/8吋) 2022年從TARO NASU購入 @taronasu_tokyo Collection #359KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 5F 這是田島的代表系列 "負熵" 中名為 "單一"的作品，表明了這是一件僅用了一組音浪圖樣的作品。她將從特定地點記錄環境與機械聲音的數據可視化，以其頻譜圖化為紡織品設計。提花織布機透過經線和緯線的升降，創造出錯綜複雜的圖案。早期是使用打孔卡編程，現今則由數字數據控制。田島聽到的聲音最初是看不見的，但經過多重的轉換過程後，包括錄音並轉換成數位音訊的檔案，以頻譜圖進一步處理成可視信息，最終以紡織品呈現。編織技術的歷史可能比文字還要悠久，直至今天亦在支撐着人類的基本生活。田島一直重視表達人類（包括她自己）、物質和能量之間的關係，以及人類意識和社會的轉變。從這角度上，她似乎不可避免要回到原始的編織技術。雖然從標題中可以推斷出黑色是作品的基調，但這件作品的迷人之處在於黃色和藍色水平排列的模糊頻譜圖。 Artist Profile 田島美加 1975 年出生於美國洛杉磯。1997年取得布林茅爾學院(賓夕法尼亞州)東亞研究學位，2003年取得哥倫比亞大學藝術學院碩士學位。在其職業生涯早期，她成立了名為「新人類(New Humans)」的藝術家團體，與音樂家和表演者一同發表藝術裝置等作品。田島以物理及技術角度創作，並試圖回歸至文化人類學上的解答。《負熵(Negative Entropy)》系列可說是其近年來的代表作，田島在不同埸所和環境中錄製聲源，並根據其頻譜圖分析出的圖像數據製成提花編織。提花織布機亦因作為早期電腦的打孔卡編程機制(二進制碼)的靈感來源而為人所知。《家具藝術(Art d'Ameublement)》是田島目前的另一件代表作，其靈感來自艾瑞克·薩提(Erik Satie)的家具音樂，儘管在追求像家具般忽然出現的藝術存在，由工業噴霧器噴出的細小彩色粒子卻被關在壓克力框盒之中。這種像是雕刻出彩虹一端的美感雖打動人心，但實際上是讓觀者思考情感與這些以極其人工的技術創造出來的色彩之間的關係性。人與環境、生活與技術，當她將每天從中獲取的靈感轉化為作品時，田島所遵循的思考過程是極為跨學科的。她可以說是一位追求於知識中層所誕生的創造力的藝術家。她的許多作品被作為其據點的美國國內主要機構所收藏，包括惠特尼美國藝術博物館、達拉斯藝術博物館、蓋蒂研究所(洛杉磯)、赫須巨集博物館(華盛頓特區)和三藩市現代藝術博物館等。她亦於許多重要的國際展覽上發表作品，包括光州雙年展(韓國)和惠特尼雙年展(紐約)等。 CV: https://www.taronasugallery.com/wp/wp-content/uploads/MT_CV_220901.pdf #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #田島美加 #mikatajima #Jacquard #spectrogram #textile #acousticportrait #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #負熵 #NegativeEntropy

Artist: 小金沢健人 / KOGANEZAWA Takehito @takehito_koganezawa Title: ddds-20 (diptych) Year: 2023 Medium: pastel, color pencil, acrylic spray on paper Dimensions: diptych, 54.5 x 54.5 cm (21 1/2 x 21 1/2 in.) each Acquired from KOTARO NUKAGA, 2023 @kotaro_nukaga Collection #610KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 本作は2枚の絵画を同時に描く作品「ddds」シリーズであるが、これを2枚の絵画と呼んで正しいものかどうかは注意深く検討しなくてはならない。「Dual Doodle Double Square」の頭文字を取っている。即興的なドローイングはこれまでも続けられてきたものだが、補作においてはよりその即興性という点においていくつかの制限を課している。まず、これは2枚の同サイズの紙面を任意に重ねながら描くということ。次に、転回するカメラでリアルタイムで手元を映し出しながら、その画面上で2枚の紙が重なっているエリアにのみ描写をすること。そして、最後に、カメラが連続撮影可能な時間内に描画を終えること。これらに順守することで、制約に追われながら極めて即時的に作り出されているのがこの「ddds」という作品である。制作の特性上天地無用、特定のモチーフもなく、ただ即興的かつ無作為な色彩の選択と、所与の条件下で懸命に手を動かした行為の痕跡が図像となって現れている。そして、紙の重なりがずれていくに従って、絵画も自ずとずれていく。最終的に2枚に分離され、並んで鑑賞されることになるこれらの絵画は、二卵性双生児のように全く同一の情報を共有しながらも異なる相貌を呈するのだ。そして、その発生の過程を終始記録し続けた映像の中では、それらは依然として未分化のまま同一性を有し続けている。 Artist Profile 小金沢健人 / KOGANEZAWA Takehito 1974年東京都生まれ。1998年、武蔵野美術大学造形学部映像学科を卒業。1999年にポーラ美術振興財団、2001年には文化庁芸術家在外研修員3年派遣の助成を受け、ドイツに拠点を移し活動を始め、2017年に帰国。「ドーナツの穴を手に入れるためにドーナツをつくる」という活動初期のコンセプトにも見られるように一貫して空白と場所、位相などを主な主題に置いている他、運動と時間、音楽、即興性など、映像、絵画、インスタレーションと多岐にわたる表現活動へと進展を続けている。2002年Manifesta(ドイツ)、2003年シャルジャ・ビエンナーレ(UAE)、2005年横浜トリエンナーレ、2009年アジア・アート・ビエンナーレ(台湾)、2010年あいちトリエンナーレなど大規模な国際展への参加多数。2009年Haus konstruktiv(チューリヒ)、同年丸亀市猪熊弦一郎現代美術館(香川)、2012年Haus am Waldsee(ベルリン)、2016年Stadtgalerie Saalbrücken(ザールブリュッケン、ドイツ)などでの美術館個展を開催。京都芸術大学大学院芸術研究科にて教授職を務める。 CV: https://kotaronukaga.com/artist/小金沢-健人/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #小金沢健人 #KoganezawaTakehito #ドローイング #drawing #2枚組 #diptych #可変 #variable

藝術家: 田島美加 @mikadogs 題目: 負熵(Stripe International Inc., 法務部, 黑白, 六) 年份: 2021 介體: 棉花, 木材, 隔音毯 尺寸: 140 x 280厘米 (55 1/8 x 110 1/4吋) 2022年從TARO NASU購入 @taronasu_tokyo Collection #360KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando "負熵" 系列是田島的代表作。這作品是該系列中大型作品之一，由六個圖案組成，名爲 "Hex"。"負熵" 中交織着多層含義。首先，正如標題所示，它基於熱力學中難以理解的 "負熵" 概念。這概念的靈感似乎來自於著名量子物理學家薛丁格的論文《生命是什麼》中頗具爭議的一句話 "生命以負熵為生"。田島在特定地點下錄製聲源，並根據其頻譜圖分析出的圖像數據製成提花編織。她選擇的錄音場地都是產生事物的地方。田島也許意識到，在這些空間中，因某種生產活動而產生的聲音處於無序或高熵狀態，而將其製成圖形並固定為紡織品，則是一種轉換為低熵的行爲。田島創作的作品無異是一種本不該介入環境的外在因素（能量）。她收集空間中混亂分散的聲音，並將其轉化爲穩定狀態的藝術作品，即是她將空間的熵引向負方向。"吸音毯" 的使用代表吸音材料取代了源自聲音的作品。田島亦經常稱該系列作品爲聲學肖像，可以理解爲一種 "聽覺描繪"。這件作品的視覺效果是次要，其本質在於通過聲音捕捉的主題。 Artist Profile 田島美加 1975 年出生於美國洛杉磯。1997年取得布林茅爾學院(賓夕法尼亞州)東亞研究學位，2003年取得哥倫比亞大學藝術學院碩士學位。在其職業生涯早期，她成立了名為「新人類(New Humans)」的藝術家團體，與音樂家和表演者一同發表藝術裝置等作品。田島以物理及技術角度創作，並試圖回歸至文化人類學上的解答。《負熵(Negative Entropy)》系列可說是其近年來的代表作，田島在不同埸所和環境中錄製聲源，並根據其頻譜圖分析出的圖像數據製成提花編織。提花織布機亦因作為早期電腦的打孔卡編程機制(二進制碼)的靈感來源而為人所知。《家具藝術(Art d'Ameublement)》是田島目前的另一件代表作，其靈感來自艾瑞克·薩提(Erik Satie)的家具音樂，儘管在追求像家具般忽然出現的藝術存在，由工業噴霧器噴出的細小彩色粒子卻被關在壓克力框盒之中。這種像是雕刻出彩虹一端的美感雖打動人心，但實際上是讓觀者思考情感與這些以極其人工的技術創造出來的色彩之間的關係性。人與環境、生活與技術，當她將每天從中獲取的靈感轉化為作品時，田島所遵循的思考過程是極為跨學科的。她可以說是一位追求於知識中層所誕生的創造力的藝術家。她的許多作品被作為其據點的美國國內主要機構所收藏，包括惠特尼美國藝術博物館、達拉斯藝術博物館、蓋蒂研究所(洛杉磯)、赫須巨集博物館(華盛頓特區)和三藩市現代藝術博物館等。她亦於許多重要的國際展覽上發表作品，包括光州雙年展(韓國)和惠特尼雙年展(紐約)等。 CV: https://www.taronasugallery.com/wp/wp-content/uploads/MT_CV_220901.pdf #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #contemporaryartist #contemporaryartcollector #MikaTajima #田島美加 #負熵 #NegativeEntropy #現代藝術

Artist: ススム・カミジョウ / Susumu Kamijo @susumukamijo Title: Franny and Zooey Year: 2023 Medium: Oil, flashe vinyl, pencil on canvas, framed Dimensions: 76.2 x 63.5 cm (30 x 25 in.) Acquired from MAKI Gallery, 2023 @maki_gallery_tokyo Collection #617KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando サリンジャーが書いた小説に同名の連作がある。理想と現実の端境で苦悩する青年とそれに寄り添おうとする家族の少し不器用な愛が描かれている。悩めるFrannyは妹で、寄り添うZooeyは兄だ。カミジョウは、プードルを描き続けている画家だが、本作でも見られるように近年は具体的な造形の描写ではなく簡略と強調の双方を大胆に織り交ぜて描いている。プードルの特徴的な体毛のカットをディフォルメした直線と曲線の組み合わせに、均一な色面が塗り絵のように入れられている。そのオレンジと紺の強い対比は二頭の性質の差異を想像させる。表情に目を向けると、それがカミジョウの絵画なのだからプードルだろう、という推測の元に見ればこそこれは犬らしく見えるのだが、目、鼻、髭、牙、またそれらが構成する顔面上の陰影や凹凸が、誇張されあるいは簡略されて、本来の犬の顔からはかけ離れてまるで人のようにも見える。つまり、カミジョウは犬を描きつつも、犬の似姿を求めているわけではないのだろう。人間社会に最も馴染んだ動物の一つである犬、その飼い慣らされた姿に人間の精神が潜像として滲んでいることを示唆しているように思われる。サリンジャーの小説では仏教などの東洋思想まで絡めながらさまざまな精神論が交わされる。心の置き場所に悩み苦しむ妹はやがてその対話の末にわずかな光を見出して微笑むのである。ぶつかり合い、寄り添いあって、いつしか若い苦悩は乗り越えられる。 Artist Profile ススム・カミジョウ / Susumu Kamijo 1975年長野県生まれ。2000年にオレゴン大学ドローイング科を卒業、2002年にワシントン大学絵画ドローイング科を修了。特にプードルをモチーフとした作品シリーズ(2014年〜)で知られる。プードルという犬種は体毛のカット・バリエーションも多く楽しまれる他、品種改良を繰り返した末に不自然に矮小化したものもある。人間主観から見れば極めて造形的な生き物であると言える。カミジョウの作品では、モチーフの造形が抽象化され、大まかなパーツを単純な輪郭に捉え直していく。その抽象化、あるいは単純化のプロセスの中で、実際のプードルにはあり得ない予期せぬ色彩が与えられたり、点描などの装飾的要素が付加されていく。カミジョウの抽象化においてプードルは身体性を剥奪され、ブロック状に断片化する。しかしながら、大胆に捉え直された身体はよりプードルの運動性、躍動感を増幅させている。一点、顔の表情についてだけは抽象化ではなく擬人化とも呼べるような異様さを備えている。目玉や牙を剥き出しにしてこちらを伺っているもの、髭や目元がまるで攻撃的な角のように表された物など、プードルが知能の高い犬種であるという事実以上に精神性がそこに表現されているように思えてならない。欧米を中心に展覧会が相次ぎ、評価が高まっている。2017年に画集『Poodles』(Pacific社)を出版。 CV: https://www.makigallery.com/artists/103/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #ススムカミジョウ #SusumuKamijo #具象絵画 #figurativepainting #プードル #poodle #サリンジャー #JDSalinger

藝術家: 今津景 @kei_imazu 題目: 藍色墊上的橙色沙漠 年份: 2009 介體: 壓克力顏料, 畫布 尺寸: 116.8 x 91 厘米 (46 x 35 7/8 吋) 2022年從SBI當代藝術拍賣會購入 @sbiartauction Collection #268KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 8F 繪製本作時的今津，憑直覺從雜誌和互聯網上收集各種圖像，參考用電腦將其合成的草稿再製成畫作。憑直覺選取的圖像之間本來並無任何關聯，但若將毫無關聯的物件簡單地並排繪製，或許會從中誕生出一幅作為繪畫的故事。今津想必像個翻倒玩具箱的孩子一樣，凝視那堆隨意收集的圖像素材，同時想像它們原本並不附帶的含義，幻想出一個將自己創造的含義連繫起來的故事。在焦橙色的沙漠盡頭有一棵棕櫚樹，像一片綠洲般被豐盛的花草包圍的是一張藍色的防水布。 高壓清洗機、牛和各種容器隨處散落。佇立的三個女孩，各自穿著迥異，視線互不相交。所有散亂的東西尷尬地聚集在一起，這個世界亦總算得以保持形狀。這荒誕但不含惡意的幽默讓人忍俊不禁。 Artist Profile 今津景 1980年出生於日本山口縣。今津於多摩美術大學完成碩士學位。她被授予2009年VOCA優秀獎及2013年的絹谷幸二獎勵獎。2017年，明尼阿波利斯藝術學院（美國）收藏了她超過4米的大型作品。2019年，今津參加了 "六本木交叉點2019：Connexions（東京森美術館）" 和 "愛知三年展2019：情的時代"。她入選了2020年弗朗索瓦・普拉特獎（法國）的決賽，並被邀請參加2022年 "第十五屆文獻展"（德國卡塞爾）的展覽。今津持續獲得國際的高度讚譽，目前在印尼萬隆生活和工作。她的作品是通過使用Photoshop©︎，編輯網上的各種圖片，形成初步的拼貼畫，然後將其轉錄到畫布上的油畫作品。她利用各種途徑取得作品中的圖片：從歷史上的傑作、博物館的插圖目錄、廣告，甚至在社交媒體上發現的私人照片，通過各種工具，如使用編輯軟件的筆觸，創造出精細的多層次構圖。近年來，今津擴大了她的興趣和關注範圍，如氣候變化和全球南方等的全球性問題。 CV: https://www.imazukei.com/ http://anomalytokyo.com/artist/kei-imazu/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #今津景 #ImazuKei #contemporaryartist #contemporaryartcollector #現代藝術 #藍色墊上的橙色沙漠 #OrangeDesertonBlueSheet

Artist: 津上みゆき / TSUGAMI Miyuki Title: View, Castro, 6:15am, 22 May 2017 Year: 2017 Medium: pigment, acrylic and others on canvas Dimensions: 27.3 x 27.3 cm (10 3/4 x 10 3/4 in.) Acquired from ANOMALY, 2023 @anomaly_tokyo Collection #627KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 2017年の初夏、早朝の風景。「Castro」はおそらく地名なのだろうが、イタリアやチリ、アメリカなどにいくつかある同名の街のいずれだろうか。透き通るような清々しいブルーは青空と海のようで、白やピンクが陸地の描写だとすれば、この青と白のコントラストはどうにもアドリア海沿岸部の街の景色を思い起こさせる。実際はこの風景がどこの都市を描いたものであったとしても、それは津上がその景色をこのように見たという事実のみを伝えるものであって、それを見ることによって私たちが何を感ずるべき正しい解が用意されているわけではないだろう。津上の全ての作品が「View」という広い意味(景色、意見、見ること、、、)を持つ語が当てられている理由がそこにあるはずである。日の出の時刻に青く静まった街を見渡した、その時津上の心に浮かんだものが絵画として描かれ、私たちは今その作品を通してその日の津上の心象を覗き見るのである。見ることの重層性がそこにある。 Artist Profile 津上みゆき / TSUGAMI Miyuki 1973年東京都生まれ。1998年、京都造形芸術大学大学院芸術研究科を修了。1996年、第7回関口芸術基金の助成によりNYに滞在。2013年から2014年にかけては五島記念文化財団研修員としてイギリスにて研修の機会を得た。一貫して風景画を制作しており、作品タイトルには常に「View」の語を含む。度重なる海外での滞在制作の経験を経て、独自の風景画を確立していく。津上の作品は、風景のスケッチを元にしているものの、完成作品においては色彩や図像は抽象化され、津上が目にした景色の実際はどうであったのかを直接的には示していない。しかし、印象派の作家たちが風景の中にある光を捉えて具象性よりもその感応に重きをおいて絵画を制作したように、津上の作品における風景とは現実に根差しつつもキャンバス上に繰り広げられる色彩とストロークの果てに作家によって内観されるヴィジョンである。主な個展に、2023年の軽井沢現代美術館(長野)、2019年の長崎県美術館、2018年の上野の森美術館(東京)、2013年の一宮市三岸節子記念美術館(愛知)、2005年の大原美術館(岡山)などがある。国立国際美術館(大阪)、東京国立近代美術館、長崎県美術館、大原美術館(岡山)、アーツ前橋(群馬)などが作品を所蔵している。 CV: http://miyukitsugami.jp/jp/cv/Miyuki_Tsugami_CV_JP_202304.pdf #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #現代アート #現代美術コレクション #植島コレクション #植島幹九郎コレクション #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #津上みゆき #TsugamiMiyuki #抽象絵画 #absractpainting #風景絵画 #landscape

藝術家: 格哈德・里希特 @gerhard.richter 題目: 無題 (3.11.89) 年份: 1989 介體: 明膠銀鹽相紙, 獨版 尺寸: 67.9 x 97.8 厘米 (26 3/4 x 38 1/2 吋) 2022年從富藝斯購入 @phillipsauction Collection #439KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando 作為里希特的獨特之作，攝影作品可謂非常珍貴。這是因為里希特對攝影與繪畫間的關係極具敏銳度。他有數件複製自身作品之作，當中一幅著名的照片繪畫《Ema (樓梯上的裸體)》(製於1966 年)也是複製自攝影的作品。而本作亦不難被認為是其中一幅複製其抽象繪畫系列之作。里希特的照片繪畫是透過模糊或失焦，將作為看起來最「像照片」的表現忠實地在畫作中重現。換句話說，模糊與不真實的表情對照片來說是失敗的，但正正因被公認為是攝影中經常出現的現象，才讓人們感覺它 「像照片」。里希特將這種「像照片」的新形象狀態重新植入於繪畫表現中。然後，將其再次回歸至照片，這種圖像的往返正可說是里希特的照片作品的必然性所在。 Artist Profile 格哈德・里希特 1932年出生於德國德累斯頓。里希特被視為當代最偉大的畫家之一。他的繪畫表達方式非常多樣，如 "照片繪畫"、"抽象畫"、"彩色圖表"、"鏡子"、"灰色繪畫"、"條紋"、"圖鑑" 和 "著色照片"，均達到高水平。里希特的作品有時被形容爲 "無風格的風格"。從具象到抽象，從有色到無色，他獨自成就了繪畫最多樣的形式。他整個人生都被繪畫可能的表達方式這巨大的主題籠罩着。里希特是其中一個最重要的當代藝術家，曾於巴黎的龐畢度中心、倫敦的泰特現代藝術館和紐約的大都會藝術博物館等主要博物館舉辦個人展。 CV: https://gagosian.com/artists/gerhard-richter/ #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #植島幹九郎藝術收藏 #植島藝術收藏 #當代藝術 #當代美術 #现代藝術 #现代美術 #收藏家 #藝術收藏 #現代美術 #現代藝術 #GerhardRichter #photograpy #写真 #unique #original #gelatinsilverprint #銀塩写真 #contemporaryartist #contemporarysculpture #contemporaryartcollector #gerhardrichterpaintings #gerhardrichterart #里希特 #葛哈李希特

Artist: Imazu Kei @kei_imazu Title: Blue Ribbon Year: 2008 Medium: oil on canvas Dimensions: 162 x 131 cm (63 3/4 x 51 5/8 in.) Acquired from NEW AUCTION, 2022 @newwwauction Collection #499KANKURO UESHIMA COLLECTION Kitasando The ground of the painting is richly filled with bright colors reminiscent of a flower garden. Colors that appear to be gradually blotting out in the distance soon become specific in their outlines in the near view. They turn into a slightly radial spread of fireworks and shooting stars that seem to be lingering. Amidst the torrent of dazzlingly bright colors, something resembling an abandoned house is depicted, seeming out of place. The architecture is heavily distorted as if it is about to collapse at any moment. With almost nothing left to cover the front and the roof, the indoor space which is supposed not to be exposed to the sun is now glowing golden with light. In contrast with the chaotic interior, it seems to be a monument of something precious. Using it as the background, a boy is standing upright wearing a large blue ribbon tie. From his facial expression, it is difficult to determine whether his eyes are squinting with dazzle and happiness or if his cheeks are tense with sadness and pain. Due to the lack of clear elements characterizing the boy’s expression or the blue ribbon, he seems to be the only one who is floating in this world detaching from all relationships. This painting stirs up the ambivalent feelings of both bright and dark emotions. Artist Profile https://is.gd/7GiM9N #ueshimacollection #contemporaryart #artcollector #kankuroueshimacollection #artcollection #ImazuKei #figrativepainting #abstraction #contemporaryartist #contemporaryartcollector